miércoles, 31 de octubre de 2012

CINE DE AUTOR - UNA MUJER INOLVIDABLE (Rebecca, 1940) de Alfred Hitchcock




MEMORIA SELECTIVA


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EXCELENTE


Esta película es un hito en la filmografía de Alfred Hitchcock y por mas de una razón: es el film que marca una bisagra en la obra del director siendo la primera película que rueda en Estados Unidos, fuera de Inglaterra. Con Rebecca el autor iniciaría la etapa más fructífera y recordada de su carrera, además de ser el único film que ganase el premio Oscar a la mejor película, mas allá de las otras nominaciones que Hitchcock no pudo ganar posteriormente. 

También serìa la primera colaboración junto al exitoso productor David O. Selznick, un gigante de la producción por aquellos años. Un hombre de gran poder y enorme influencia, responsable en parte del gran éxito de "Lo que el Viento se Llevò" y quizás también un nombre de peso que inclinò la balanza de la Academia en favor del film a la hora de otorgar la estatuilla tan codiciada.  

Con la imponente y fantasmal mansión Manderley como fondo que parece ser el ámbito ideal para albergar a este drama oscuro, la historia se desarrolla en medio del turbulento amor de la pareja que impecablemente componen Laurence Olivier y Joan Fontaine, estrellas verdaderas de la época. El clima angustiante de la historia acrecienta la inquietud acerca de la moralidad de los personajes y su verdadero rol, objeto que aprovecha Hitchcock para plantearnos sus dudas y transmitirnos esa provocación que bien sabe infundir.

En el acoso que sufre el personaje de Fontaine, inmersa en los recuerdos de la difunta Rebecca, ve reprimida sus sospechas por la turbia historia que poco a poco conoce. Un espíritu que acecha imaginario y perdurable, mientras la verdad sobre ella se revela de forma trágica. El amorìo se convierte en amenazante profecìa que desde el pasado se propone arruinar el romance del presente, como una sombra que oculta secretos. 

Hitchcock maneja con maestría los hilos del suspenso psicológico para adaptar al cine una novela gótica y lúgubre a la que le falta la ironía y el sarcasmo de otras obras del realizador, pero le sobra tensión y nerviosismo para retratar esta historia entre romántica y misteriosa. De atmósfera ominosa, el enigma  y la extrañes envuelven a la historia y sus personajes, donde de manera casi cruel y mediante acertados giros en la trama, se revelan las más bajas intenciones de sus personajes y el manejo ambiguo de la moralidad de la historia.

Marca registrada del maestro del suspenso, Rebecca se muestra perturbadora y atrapante, mientras, sugestivo e hipnòtico, el autor nos lleva por caminos que el conoce mejor que nadie: desde la compasión que sentimos por la sufrida Sra. de Winter, pasando por el recuerdo nostálgico, tràgico e imborrable de una vida truncada como la de Rebecca hasta llegar a la comprensión del tormento interior y la culpa del Sr. de Winter.

martes, 30 de octubre de 2012

CINE DE AUTOR - LA SOMBRA DE UNA DUDA (The Shadow of a Doubt, 1943) de Alfred Hitchcock



EXPLORANDO LAS DUALIDADES 

DEL BIEN Y EL MAL

 

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EXCELENTE

 

Según el mismo decía, esta es para Hitchcock su film favorito. Uno de los primeros grandes títulos desde su carrera en Hollywood iniciada en 1940 con "Rebbeca", luego de una prolífica labor en Inglaterra. "La Sombra de una Duda" es un film sombrío, ante todo, y en esta característica esta presente, casi mas que nunca, en la filmografía del director, explorando ambiguedades y opuestos existenciales del ser humano. 

Como curiosidad se puede apuntar que la trama, en su creación, tiene un gran aporte de la propia esposa de Hitchcock girando en torno a ideas preconcebidas sobre las apariencias ante la sociedad de una familia de clase media de un barrio residencial. Es decir, sobre lo que dicen ser que en realidad no son, entendièndose también, como un estudio de conductas hecho en base a la perversión de las formas para la destrucción de las mismas.

Hitchcock, como de costumbre, deja su sello en cada rincón del argumento y en cada paso que da la trama. Así, el film se ve inmerso en un clima donde el engaño sobre un crimen rompe cierto aire apacible, sin por eso no agregarle un humor mas bien irónico y una buena dosis de suspenso que se sostienen a la perfección en escenas complejas en tutela de la maestría de su realizador. 

A la hora de delinear a sus personajes principales, Hitchcock vuelve a poner el punto interpretativo en el lugar acertado: hay un sospechoso (Joseph Cotten) interpretado con una frialdad maliciosa y deslumbrante, una joven ingenua (Teresa Wright) que ve sus sentimientos casi lindantes con el paroxismo enfrentados con sus temores y un vecino entrometido (Hume Cronyn) que viene a representar la mirada de los demás, por demás cínica, ante una familia aparentemente ideal. Ante los ojos de la sociedad, esta difusa realidad oculta mas de un secreto tras de sì, en un paralelismo mas que elocuente.

Cuando se habla de los continuos guiños de Hitchcock, cabe mencionar dos elementos que este utiliza a la perfección para soltar la trama que cae con impacto profundo en su audiencia. El gran maestro "jugaba" con ella y la tenia a sus pies, utilizando el suspenso y la sorpresa para llevar a los espectadores de su obra a donde él quisiera. El autor capta a la perfección ese micro ambiente tan particular de los barrios residenciales donde, casi a escondidas, mas de un secreto se teje sobre tal o cual familia. 

El otro punto para destacar es la formidable composición del vals de "La Viuda Alegre", referenciado como una pista en los títulos iniciales y que simboliza (en un lenguaje fílmico de manejo admirable) la culpabilidad y obsesión del personaje central. Son sus inclinaciones peligrosas las que llevan  hasta casi no poder disimularlas o reprimirlas. Disparador del vals mediante, la confiada joven descubre la gran mentira que resignifica la formidable obra y su latente amoralidad.

lunes, 29 de octubre de 2012

CINE DE AUTOR - LOS 39 ESCALONES (The 39 Steps, 1935) de Alfred Hitchcock



EL EFECTO DOMINÓ


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EXCELENTE





Quizás la mejor película de Alfred Hitchcock en su etapa británica. Solo la magnifica genialidad de este creador puede aunar el puro espectáculo lúdico que representa el cine con el extraordinario sentido de inteligencia con el que aborda cada una de sus películas. "Los 39 Escalones" mantiene al espectador atrapado al relato, sosteniendo la intriga y el suspenso hasta el mismo final. 

Como dicho, desde un principio la trama consigue dosificar con acierto la tensión del film que se mantiene constante en todo momento del metraje gracias a un estupendo ritmo, fruto de la acción vivida por el protagonista en ese espiral que se transforma en un particular descenso a los infiernos de su personaje principal. El film presenta una historia sencilla y efectiva acerca de un crimen, una huida y falsas acusaciones. El relato es un compendio de las características del género de espionaje de finales de los años '30.

Como premisa narrativa, sigue la misma fórmula que tantas veces repitió Hitchcock: un inocente que es buscado por un crimen que no ha cometido y debe huir. En este caso el falso culpable es acusado de asesinato y es perseguido a la vez, por la policía y por los verdaderos asesinos, debiendo demostrar por sí mismo y tras múltiples su inocencia. 


 Los ágiles movimientos de cámara, combinados con angulaciones, planeamiento de encuadres y un uso frenético del primer plano que nos ofrecen un marco visual atractivo, acompañado de una inmejorable fotografía que realiza un magnífico empleo del factor climático para capturar la espesa y amenazadora niebla londinense o el siempre pictórico y estético paisaje escocés.


Una vez mas, Hitchcock hace notar sus habilidades para utilizar la ambientación, el lugar donde elige poner la cámara y la puesta en escena en si misma para crear climas y elaborar secuencias absorventes: el pasaje de acción en el tren, la llamativa casa en la montaña escocesa y el music hall teatral que abre y cierra el film son algunas de las mas disfrutables. Producto de un gran pulso creativo para descripción de caracteres, también hay en sus personajes una cuota de sensualidad, tal lo prueba la siempre clásica protagonista rubia cual musa inspiradora, que hace las veces de cómplice oportuna.   

El espectador, nuevamente como en otras tantas ocasiones a lo largo de la filmografía de Hitchcock, conoce verdades que ciertos protagonistas no, lo cual ayuda a acrecentar la intensidad del suspenso y es un recurso fílmico admirablemente manejado por su realizador. Como aditivo extra, cabe destacar el sarcástico y ácido humor que evidencia el film en algunos momentos, propio del siempre burlón y célebre autor, con una notable capacidad para mediante fina ironía, reírse de sus personajes en situaciones realmente límites. 


domingo, 28 de octubre de 2012

CLÁSICOS - BLADE RUNNER (ídem, 1982) de Ridley Scott





REVOLUCIONAR EL GÉNERO


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EXCELENTE



Con "Blade Runner" estamos frente a una de las producciones de ficción mas ambiciosas de todos los tiempos, quizás una de las mas autenticas y brillantes que se hayan visto alguna vez. Para el momento histórico de avances tecnológicos que se viviían, el film era todo un desafío y para Ridley Scott la consagración definitiva luego de la magnifica "Alien" (1979). 

Con un costo de 30 millones de dólares Scott rodó la historia futurista que situaba la acción en un planeta Tierra deteriorado por la superpoblación, lo que obligo a los humanos a colonizar otros planetas, donde se genéticamente se crean los replicantes. En un futuro no muy lejano los hombres han alcanzado el conocimiento necesario para fabricar androides idénticos a ellos mismos. 

Estos "replicantes" se utilizan como esclavos en las tareas más difíciles de las colonias estelares, y no se les permite vivir más de unos años determinados para evitar la rebelión de los mismos. Presos de su intrínseco instinto humano de libertad estos seres adormecidos en busca de un progreso, se rebelarán y amenazarán con terminar con lo que queda de la humanidad.
La dirección de Ridley Scott fue llevada a cabo resguardando hasta el mínimo detalle. Poniendo especial cuidado en la escenografia se creo un ambiente sórdido y sombrío en la Los Ángeles de 2019 representada en enormes maquetas con calles nocturnas y lluviosas, luces de neón y gigantes carteles publicitarios, marcando esta implementación de tono apocalíptico un antes y un después en el genero de ficción. 

Gran parte del presupuesto del film fue destinado al mejoramiento de los efectos especiales para los que su director contó nada menos con el encargado de realizar los mismos para "2001, Odisea en el Espacio". La excelente fotografía y sonorización son puntos a tener en cuenta. Cabe aclarar en este caso, que el montaje final fue decidido por la productora y no por el director y recién en 1991 se conoció la versión de Scott, en su "director's cut"

Los personajes también están muy bien definidos y su evolución a lo largo de la historia suma interés al film, como estudio social que pretende ser de un hipotético y aterrador futuro. El elenco cuenta como protagonista principal con un jóven Harrison Ford, quien aborda su personaje de forma comprometedora y audaz. Rutger Hauer (un clásico entre los villanos) y Daryl Hannah (la chica sexy de moda por entonces) alcanzaron gran popularidad con sus interpretaciones, y quizás también el éxito mas grande de sus carreras. Misma suerte corrieron los personajes de Edward James Olmos y Sean Young, de gravitación inconstante en el radar hollywoodense.

Con transgresión estética y recursos visuales nunca antes utilizados, la obra de Scott revolucionó el género y esta propensa a diversas interpretaciones gracias a sus intrincados y complejos cuadros comunicativos y puntos de vista, ricos en elementos del género y propios de una narrativa impecable. La trama argumental se fortalece en varios aspectos de índole social y los hechos que se transcurren a lo largo del film son una columna sólida para su funcionamiento, ya que sin tan profunda ideología vertida los efectos especiales hubieran quedado vacíos.

sábado, 27 de octubre de 2012

CINE DE AUTOR - PERROS DE PAJA (Straw Dogs, 1971) de Sam Peckinpah



DESBORDE, FURIA Y VIOLENCIA 


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EXCELENTE
 



Controvertida película debido a su excesiva violencia de la mano de uno de los directores más renovadores de los últimos tiempos: Sam Peckinpah. Luego de varios años de éxito en Estados Unidos donde los westerns crepusculares le dieron reconocimiento internacional, el autor se traslado a Europa para filmar "Perros de Paja" una película que despertó profundas controversias por sus atrevidas imágenes donde se retrataban una violación y una marcada justificación de los métodos violentos, motivo de ello fue su prohibición en el Reino Unido entero. 

La película cuenta la dramática situación de una joven pareja que se traslada a un pueblo rural de Inglaterra donde deben enfrentar sus diferencias personales y el hostil tratamiento que reciben por parte de sus nuevos vecinos hasta un punto tan asfixiante en el que deciden, sin más, contraatacar. Intimidaciones, abusos y la extrañeza de no pertencer al lugar desencadenan sangrienta lucha por su supervivencia.

El guión a cargo de D.Z. Goodman concibe una adaptación de la novela de Gordon Williams "The Siege of Trencher's Farm", que en tono de drama y thriller va contando una historia plagada de matices violentos que ideológicamente propone una mirada contemplativa y hasta aprobadora en cuanto a la violencia. El uso indiscriminado de la misma que los personajes experimentan en un estado extremo, es el resultado de la falta de comunicación y de confianza entre ambos, lo que implica también un mensaje entre líneas.

La historia es fuerte, dramáticamente poderosa y con elementos de intriga y de crueldad presentes en todo momento en la conducta de sus personajes. A tales efectos, la dirección de Peckinpah consigue imprimir a la película su sello mas personal y provocativo en una muestra de reivindicación de un director que supo perdurar en su particular concepción del séptimo arte. Hay un manejo de climas y de situaciones notables para resaltar el tono perverso y violento del film.

  El elenco del film se encuentra fortalecido por un Dustin Hoffman en una interpretación notable, sumamente sólido en su papel consigue adentrarse en un personaje impiadoso, atribulado y vengativo. Susan George compone a su pareja en la ficción de manera notoria para un papel igualmente atormentado y presa de sus inhibiciones. Los personajes secundarios que interpretan a los poco amigables vecinos del lugar consiguen dar a sus personajes el requerido toque de malicia y salvajismo necesarios al desarrollo de una trama perversa.

Nada tenia que demostrar este brillante cineasta ya consagrado para entonces como un director de impacto caracterizado por mostrar escenas agresivas subidas de tono. Obra clave en la filmografía de Peckinpah, "Perros de Paja" es un estudio sobre la violencia del ser humano en su más bestial expresión. Tan chocante como irresistible, Peckinpah nos sumerge una vez mas en su tan propio y revolucionario estilo. 



viernes, 26 de octubre de 2012

CLÁSICOS - PERDIDOS EN LA NOCHE (Midnight Cowboys, 1969) de John Schlesinger




DOS EN LA CIUDAD


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MUY BUENA

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El Oscar a la Mejor Película que ganara en 1969 no fue lo único que trajo consigo el film de John Schlesinger, aunque si quizás lo mas grato. Sucede que el film fue calificado con censura para menores de edad en los Estados Unidos al momento de su estreno, dado los temas punzantes, polémicos y provocativos que trataba el mismo en su historia. 

Lejos de la paquetería y la vergüenza para mostrar enfoques nuevos, el film aborda una audaz idea. Joe Bucki se traslada a Nueva York convencido de que con su físico y su aspecto de cowboy podrá vivir como un solicitadísimo gigoló. Entre todas las relaciones superficiales que mantiene sólo encuentra un sincero afecto en un vagabundo maltrecho llamado Ratso Rizzo.

Visualmente y gracias al certero efecto que causa una puesta en escena que crea climas opresivos, hay un acento bien marcado a las modas de fines de los '60 con orientaciones hacia los tradicionales estilos psicodélicos que imponía el artista Andy Warhol. Para remarcar tales climas opresivos el director se destaca en su labor de exponer con crudeza la enfermiza y desbordante realidad de pobreza y desamparo en que viven sus personajes con la ciudad de Nueva York como marco deprimente y asilatorio de estos dos personajes en medio de la inmensa urbe.

Ellos solos, perdidos en la gran ciudad, cargan el peso del relato como protagonistas de sus sueños y fantasías que emprenden juntos dejando de lado un pasado de fracasos. Las labores de Jon Voight y Dustin Hoffman al frente del reparto son no menos que brillantes. Para Jon Voight era la oportunidad de darse a conocer el cine grande de Hollywood en su primer gran protagónico, mientras que para Dustin Hoffman era revalidar el buen talento que había insinuado en "El Graduado", la consagración definitiva como uno de los actores de su generación mas prometedores y el gran salto a una década posterior que lo tendría como uno de los interpretes mas convocados y valorados.


Resaltando valores como la lealtad y la amistad para dibujar algo de esperanza entre tanta miseria humana, Schlesinger consigue un film modèlico reflejo de una època. Tales temas como la homosexualidad y la prostitución, mostrados con realismo y rigor social fueron aceptados por la mayoría de la sociedad, en parte también gracias al citado premio Oscar que le dio un fuerte respaldo al film, en una clara muestra que el cine americano evolucionaba por aquellos años.




jueves, 25 de octubre de 2012

CLÁSICOS - BUSCO MI DESTINO (Easy Rider, 1969) de Peter Fonda y Dennis Hopper




 EL FIN DE LA UTOPÌA


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MUY BUENA


Obra de culto por excelencia, Easy Rider no tardò en convertirse en un icono norteamericano símbolo de la rebeldía juvenil y estandarte de una juventud anárquica. Así Dennis Hopper y Peter Fonda se unieron en este proyecto independiente, gracias a la financiación de una productora importante, que contaba la historia de dos rebeldes que a bordo de sus motos emprenden un largo viaje a lo largo de Estados Unidos donde se encontraran con mas de una dificultad. 

Un clásico sobre la juventud de los '60, que refleja las actitudes y deseos de toda una generación. Dos motociclists se lanzan a la odisea de recorrer el país de costa a costa, en busca de la América real. Durante el camino se encontrarán con las distintas caras de las grandes urbes, una comuna hippie, drogas y sexo en plena explosiòn del flower power.

 
La dirección se realizo en exteriores y de forma rápida e improvisada, muchas veces escapándole a los reglajes del guión e incluso contratando extras no profesionales para ciertos episodios. El director utiliza toda su imaginación para recrear paisajes y mediante ellos insertar en distintos momentos personajes pintorescos que nutren la historia. El estilo de road-movie, novedoso para la época, convirtió al film en una cinta de culto para los jóvenes seguidores. 

El guión a cargo en gran parte de Peter Fonda y Dennis Hopper intenta contrastar el espíritu rebelde naciente con la mentalidad conservadora de una sociedad que hasta el momento no aceptaba una forma de pensar y de vivir diferente. El elenco lo encabezan Peter Fonda y Dennis Hopper poniéndose en la piel de sendos singulares personajes dotando de aires bohemios a las almas utópicas que componen. Jack Nicholson, aùn lejos del estrellato de años posteriores, encarna al abogado que se intercala en la historia de manera interesante dado las disyuntivas que plantea. 


Easy Rider supuso toda una revolución para la turbulenta época de los finales de los '60, constituyendo una pintura socio-cultural perfecta de la época. En la piel de dos soñadores irremediables viviendo on the road, sendos personajes resultan el fiel reflejo del movimiento hippie y de la explosión de las drogas y el rock como sinónimo de libertad.

miércoles, 24 de octubre de 2012

CLÀSICOS - UN TIRO EN LA NOCHE (The Man Who Shot Liberty Valance, 1962)




LEYENDAS DEL OESTE


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EXCELENTE


"Si la leyenda suena mejor que la realidad, contemos la leyenda" - John Ford.


 
Tenemos aquì uno de los títulos más emblemáticos en la laureada trayectoria de John Ford, al igual que uno de los títulos más relevantes a lo largo de la historia del cine western. Porque es un film de gènero, pero es màs que eso: por sus implicancias políticas, por sus visiones sociales, por su tenor dramático, por la profundidad de sus personajes. 

Quizás el punto mas alto de la carrera de Ford resulta ser "Un Tiro en la Noche", la continuación de grandes films como "Cuan Verde era mi Valle", "Pasión de los Fuertes", "El Hombre Tranquilo" y "Río Grande". Aunque en un tono bastante mas intimista que los films nombrados, este no es el caso de combates abiertos en el desierto, de redadas de indios, de manadas de ganados. No tiene el tono de tales superproducciones y sus parámetros de película de genero western pasan por otro registro, en el retrato intimista de estos personajes.

De acertada fotografìa en blanco y negro, Un Tiro en la Noche enfoca su visiòn con el agudo cinismo que retrata el proceso de civilización de los territorios llamados salvajes, funcionales a "limpiar la ciudad de la barbarie", sumado a la ironía con la que juegan sus personajes convirtiendo a héroes en cobardes y perdedores en arriesgados, describiendo a la perfecciòn el perfil autoral del experimentado realizador.  

Un anciano senador relata a un periodista la verdadera historia acerca la llegada al pueblo de un joven extraño y la confrontaciòn moral y ètica del hombre que mató a Liberty Valance, un temido pistolero del lejano oeste. De la manera en que el héroe tradicional del lejano oeste acaba condenado por su acción de cobardía, el político interesado emblemàtico y tradicional se convierte en un estandarte de la ley y la transparencia.

El elenco no podría haber estado mejor: un maduro John Wayne habitual colaborador de Ford encuentra el punto justo para interpretar al prototipo del héroe del oeste. James Stewart, en otra de sus memorables interpretaciones de su inmejorable trayectoria, interpreta al político honesto luchando en terreno ajeno, mientras que resulta grato descubrir a un joven Lee Marvin en un papel un tanto inusual para lo que luego depararía su destacada filmografía .

El film ahonda en los conflictos personales que acentúan el relieve dramático de estas almas torturadas que encuentran espesor y margen para desarrollarse en el marco de una historia potente e impactante. Mas allá de las probadas destrezas de Ford en el gènero western para los títulos anteriormente nombrados y su apreciable calidad para la puesta en escena, el director profundiza aun màs los nuevos aspectos de su èpica visión del gènero.