domingo, 29 de septiembre de 2013

CINE ARGENTINO - CAMA ADENTRO (2004) de Jorge Gaggero







REALISTA, PERO CONSERVADORA



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BUENA




Beba es una mujer de la clase media alta argentina que ve venirse a menos su status con la cada vez más tremenda hecatombe financiera de su país. A partir de allí, todo cambia en su vida, principalmente su relación con su mucama de toda la vida, Dora, testigo silente de los últimos y tambaleantes bastiones económicos de su patrona, quien hace seis meses que no puede pagarle el sueldo. 

Es difícil hacer cine en Argentina, mas que nada para los realizadores jóvenes y debutantes, que no cuentan con todo el apoyo de la publicidad, factor imprescindible a la hora de promocionar un film y de así decidir su suerte en la taquilla.

Por estas geografías esta todo mal distribuido y toda la publicidad va a parar a los tanques nacionales, por lo cual las pequeñas producciones independientes prefieren estrenar el film en festivales del exterior para luego desembarcar en el país con las espaldas un poco mas resguardadas. Esta elección tomó Jorge Gaggero para su opera prima "Cama Adentro" que profundiza sobre la relación de dos mujeres de clases sociales opuestas quienes sobrellevan sus conflictos personales y su vinculo entre ambas en medio de la debacle social, económica y política de Argentina a fines de 2001.

El guión de la película parece haberse cuidado en los detalles más mínimos -lo veremos en guiños constantes- para retratar la crisis que vivió Argentina dejando al desnudo el desamparo político, la convulsión social y el descalabro económico de aquellos cercanos años donde la clase alta se mostraba distante e hipócrita, donde la clase media perdía terreno irremediablemente y donde la clase baja hacia malabares para sobrevivir. Para mostrar esta realidad no se cae en estereotipos argumentativos, lo cual es valido, sumado a que desde un comienzo se vislumbra un duelo interesante que van a desarrollar sus dos personajes centrales que más allá del caos de sus vidas se tienen la una a la otra, en un evidente lazo afectivo marcado por una relación de amor-odio. 

El film, en un paralelo valido con otros similares, se suma a otros que trataron conflictos humanos conmovedores y su impacto en determinados sectores sociales argentinos como fueron "Un Año sin Amor" y "Hermanas", recientes proyectos también en manos de directores debutantes que no corrieron buena suerte ya sea por su falta de promoción publicitaria o por sus intermitencias producto quizás de la inexperiencia de sus realizadores.

La temática gira en torno al mencionado conflicto social y se suma a la fallida intención de "Buena Vida Delivery" (2001) o a la también insuficiente "Whisky" (2002) que, si bien fueron premiadas en varios festivales del exterior, no tuvieron demasiado éxito en la cartelera local. La explicación probablemente sea el punto de vista derrotista y poco esperanzado que toman de la crisis con un aire gris que puebla por completo a la película impidiendo cualquier otra óptica posible, sin permitirle despegarse de este animo entre melancólico y pesimista de esta parte de Sudamérica tan golpeada. 

Este sea quizás el error en el que se vuelve a incurrir en "Cama Adentro", al punto de tornarse reiterativa en sus conflictos y lenta en su resolución dejando cierta sensación de insatisfacción en la relación de ambas mujeres, cuyo vinculo parece estático e inmaduro a pesar de haber transcurrido la quimera de treinta años de convivencia. A pesar de un final que no convence por sus limitaciones, de un humor pícaro que alternaba con la tragedia relatada y que se diluye por completo para dejar paso al desamparo absoluto, el film es válido en cuanto a la manera en la que muestra un conflicto social de las dimensiones marcadas. Teniendo en cuenta que la relación entre los dos personajes principales podría haber evolucionado bastante mas, no por eso el relato insinúa perder el espíritu documentalista que se pretende imponer.


El elenco lo encabeza la siempre eficiente Norma Aleandro, que sabe bien como dotar a su personaje de las emociones y los matices adecuados y hacerlo encajar perfecto en medio de la crisis personal que vive. Norma Argentina -en el rol de mucama- es un auténtica revelación y para componer su personaje no hace mas que calcar la profesión que llevo a cabo durante toda su vida. Al igual que Enrique Piñeyro se interpretara a si mismo en el rol de piloto para "W-R-Z" (2003), parece en este rubro imponerse la no tan ideal tendencia de imitación mas que de actuación. Marcos Mundstock, Monica Gonzaga, Claudia Lapaco y Susana Lanteri completan un sólido elenco para un film que fue de mayor a menor, pero que en balance redondea se positivamente, aún a pesar de no deslumbrar.


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viernes, 27 de septiembre de 2013

CINE ARGENTINO - EL AMOR Y LA CIUDAD (2007) de Teresa Constantini







EL CORAZÒN TIENE RAZONES...


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REGULAR



Cuenta la historia de tres personajes que viven en un mismo edificio. Por un lado una pareja algo dispar: ella, una refinada decoradora de más de cuarenta y cinco años y él un joven de treinta y pico, con un futuro incierto. Por otro lado, una joven artista plástica desocupada y algo desquiciada, que retrata a sus vecinos, a los que espía y dibuja a su manera. El punto de encuentro de los tres personajes es un bar vecino, haciendo de este modo al dueño, testigo involuntario del triángulo, en cuyo armado mucho tendrá que ver un famoso personaje que vive en París.

Llega el segundo largometraje de Teresa Costantini y esta vez, Buenos Aires y París, serán los escenarios elegidos para rodar “El Amor y la Ciudad”, dos urbes eminentemente cinematográficas en la fotogenia  y en la tradición que representan. Hablada mitad en castellano y mitad en francés, un bienvenido film nacional con aire afrancesado que cuenta con ese pintoresco matiz que le otorga ese mundo de bohemia y excentricismo de artistas y ese submundo tan particular en el que se mueven. 

Costantini, nuevamente en el rol protagónico como en la coral “Acrobacias del Corazón” cumple una buena labor tanto delante como detrás de cámaras, aunque ciertas desprolijidades narrativas conspiran contra lo que podría haber sido un gran film. Una actriz y realizadora que ha demostrado en sus largometrajes establecer un lenguaje propio, con tiempos secuenciales y movimientos de cámara registrados, aquí también deja su marca autoral, valiéndose de un reparto de lujo (con intervenciones de reparto de la talla de Jean Pierre Noher y Claudia Lapacò) cuyos personajes tienen historias interesantes para contar, funcionales al relato.

Entre el personaje de Jean Pierre Bauchau y el de Teresa Costantini se plantea una relación de padre e hija y como influirà en la identidad de ambos, el ocultamiento de dicha relación, el paso de los años, el abandono y el emotivo reencuentro final. A partir de entonces el rodaje se traslada a Francia donde no podrán faltar las imágenes de los típicos y bellos rincones parisinos. En realidad nada habrá de novedoso ni de interesante cuando la historia comienza a revelarnos el porque del conflicto entre un padre intelectual histriónico y una hija abandonica que no logra definirse en su relación de pareja, cuando los sentimientos se confunden. 

La reconciliación y la comprensión de ese pasado se irán desarrollando de forma esperada y previsible, pero correcta. Si bien abrupta en su desenlace, lo que deja un sinsabor y cierta sensaciòn de incongruencia respecto a esos ricos diálogos que los personajes entablaban, dotando de interés la historia. Las tramas paralelas que quedan en Buenos Aires, también tendrán componentes un tanto inconclusos. 

Los personajes que no logran relacionarse afectivamente bien ni se logran definir en su indecisión abarcan a la relación entre el personaje de Navarro (en otra convincente interpretación) y la brillante joven Vera Carnevale, quien es una autentica revelación que desenvuelve toda su potencia actoral  interpretando a una chica solitaria, depresiva y ciclotímica que pinta retratos de sus vecinos mientras su vida no encuentra un rumbo demasiado defiido. Ambos establecen una relación plagada de erotismo, soledades, años perdidos y sueños frustrados. El desenlace del film resulta un tanto arbitrario y destinado a la imaginación del espectador en como se prolongarà dicho triangulo amoroso, mientras cada uno intentarà encontrar su mosaico dentro de esta coral historia.


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jueves, 26 de septiembre de 2013

CINE ARGENTINO - EL SALTO DE CHRISTIAN (2006) de Eduardo Calcagno




SALTO AL VACÍO




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REGULAR


Esta es la historia de Lucía, una muchacha de unos 30 años, vital, atractiva y exitosa que trabaja en una peluquería de señoras de la calle Santa Fe. Ella vive intensamente todos sus días a pesar de tener un pasado no muy feliz. Una mañana, en medio de un día de mucho trabajo, recibe una misteriosa carta. Atenta a lo recibido y fiel a su carácter y a sus deseos, piensa que ha llegado el momento de partir e iniciar la búsqueda fundamental de su vida. 
La carta conduce a Lucía a Claromecó, un pueblo de pescadores en el cual está instalada la leyenda de Christian Madsen, eje espiritual del relato. A partir de ese momento, se suman a la historia diversos personajes, los cuales, formaran parte del enigma que Lucia intenta dilucidar. En esta búsqueda, Lucía tendrá enriquecedoras vivencias, descubrirá nuevos caminos, y encontrará el amor. Su inquietante presencia provocará desequilibrios e interrogantes en un pueblo estático. Encontrará aliados y enemigos, ya que la verdad de esta historia complicará a mas de uno.

"El Salto de Christian" es el regreso a la pantalla grande de Eduardo Calcagno, cineasta de trayectoria y realizador de películas como “Los Enemigos” (1983), “Te Amo” (1986), “El Censor” (1995) y “Yepeto” (1999). El film aborda una temática dramática donde la protagonista del film busca su identidad enfrentándose a su pasado en pos de conocer la verdad del mismo y así encontrar un rumbo. Para este fin se vale de ciertos elementos trillados y previsibles, donde los típicos paradigmas del costumbrismo pueblerino son puestos al servicio de la crítica hacia el conservadurismo hacia alguien foráneo del pueblo y la hipocresía de este mismo que se conjuga para ocultar un secreto sobre un misterio inquietante.
Si bien el relato logra climas prometedores, estos se diluyen al desdibujarse en una veta romántica que aporta poco a la historia, y que a su vez, por el tratamiento de situaciones y personajes, parece retroceder en el tiempo y devolvernos al mediocre cine nacional de los ’80.,Ese mismo que se estaba reacomodando al desbarajuste que había provocado -también en este terreno- la dictadura militar. Lejos de la evolución que cierta corriente del cine argentino planteó en este último tiempo, Calcagno parece varado en un pasado artístico que no lleva a buen puerto su film.


Éste da la sensación de estar atrapado en la contradicción que representa por un lado la ya mencionada búsqueda de un cine con otros horizontes, y por otro lado las inevitables limitaciones que acontecen cuando se recurre a resolver una trama por medio de golpes de efecto sobrecargados de contenidos explícitos que redondean de forma poco sutil una trama que resulta forzada en su desarrollo. Fragmentado en su planteo y desaprovechada en los buenos matices narrativos que la primera media hora de relato ofrece, "El Salto de Christian", es uno de los tantos intentos del cine independiente local que naufraga en sus inconstancias.

Moro Anghileri, una de las jóvenes actrices con más proyección y talento dentro del panorama del cine independiente local funciona como el centro del relato, intrigante, sensual e impulsiva, dibuja con magnetismo un personaje difuso que carga sobre sus hombros todo el peso del relato. El film integra un elenco de actores reconocidos entre los que se destacan Gastón Pauls, Nicolás Pauls, Alicia Zanka y Patricio Contreras, quienes con mayor o menor frecuencia, injerencia y acierto van transitando el devenir de un relato desaprovechado y con un potencial fílmico pobremente explotado y que no supo aprovecharse.


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martes, 24 de septiembre de 2013

CINE EUROPEO - ELIZABETH, LA EDAD DORADA (Elizabeth - The Golden Age, 2007) de Shekhar Kapur





CINE DE ÈPOCA EN LA MODERNIDAD



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REGULAR



La reina Elizabeth I de Inglaterra debe enfrentarse a la traición en el seno de su familia y a sangrientas tentativas de apoderarse de su trono. Elizabeth es consciente del cambio religioso iniciado en el siglo XVI en Europa, y el poderoso rey español Felipe II está decidido a restaurar el catolicismo en Inglaterra con la ayuda de su ejército y su invicta armada. Al desenmascarar a los traidores, entre los que parece estar la prima de Elizabeth, María Estuardo, el fiel consejero no sabe que acaba de dar comienzo al declive de Inglaterra.
 
Que hayan decidido filmar, diez años después, una nueva película que abarca otra etapa de una de las reinas más importantes de Inglaterra -la reina Elizabeth- es un síntoma mas que claro que la mediocre modas de hacer secuelas también parece haber tomado por asalto al cine histórico. Y aùn mas, haber aggiornado a la moda de hoy a un cine de calidad que no abunda en Hollywood y del que un director independiente como Shekhar Kapur es también victima. 

Cate Blanchett en la piel de Elizabeth había retratado de forma impecable la llegada al poder de la “reina virgen”, cabeza de una de las monarquías más poderosas del mundo. Si la primera entrega de Elizabeth sobresalía por su rigor histórico, esta segunda se pierde en una búsqueda estética estéril por endiosar a su reina, perdiéndose en detalles históricos pocos claros u omitiendo elementos trascendentales del curso histórico. Peor aùn, tomando decisiones narrativas mas que cuestionables como el hecho de querer hacer encajar en el relato a un personaje como el de Clive Owen que parece sacado de otra película. 

Una suma de decisiones equivocadas que hacer perder peso a un film cuyo rigor histórico no cumple con las expectativas donde ciertas distorsiones en cuanto a acontecimientos le quitan fidelidad al relato. En cuanto a la propuesta del director respecto al cáliz que le da a su film, es notorio que Kapur intenta polarizar la trama en varios rasgos genéricos. Si las escenas de acción resultan espectaculares y dan al film un tono épico, el romance que teje la historia de amor incipiente entre los dos protagonistas sumado al melodrama con el que se retrata a la figura vulnerable y expuesta de Elizabeth, conjugan una mixtura de gèneros un tanto difusa. 

De esta forma, nos encontramos con marcas establecidas que dan al film una identidad que no pretende hacer hincapié en los entramados políticos que pusieron en jaque el reinado de Elizabeth y allí es donde el film pierde peso y credibilidad histórica. Es decir, el triangulo amoroso que expone la trama se concentra en la vida sentimental de la reina y allí es donde falla el autor en su mensaje, porque coloca en este aspecto su acento y descuida los momentos mas disfrutables que brinda el film. Su punto fuerte resulta cuando se propone retratar la figura de la reina y sus debilidades (su presente acosado por fantasmas) y el manejo de poder político que hace girar a su alrededor (también sujeto a su intrigante personalidad).

Cate Blanchett, una de las actrices de mas renombre hoy en dia confirma una vez mas dicha exigencia y sobresale nuevamente dando un matiz similar a aquella gran y consagratoria composición de Elizabeth una década atrás, otra vez con su soberbia representación de la Reina. Clive Owen esta mas que apropiado para ese papel de aventurero; no es su culpa que no resulte apropiado en la historia. Geoffrey Rush y Samantha Morton por su parte, cumplen con aceptables roles secundarios que redondean un elenco estelar sin fisuras.

Apoyado en una impecable técnica en donde se destacan la fotografía, vestuario, maquillaje, banda sonora y la acertada ambientación que hace las veces de marco geográfico, se destaca, entonces, la opulencia visual por sobre la densitud dramática. Entonces, se convierte el film no en un testimonio histórico, pero si en una valorable obra de época solo por su recreación. Aunque claro, se trata de uno de los personajes mas intrigantes de la historia de la humanidad, y el mero hecho de recrear un contexto sin llegar a su profundidad, resulta apenas la carcaza de una historia por momentos vacía en su contenido, pero técnicamente incuestionable.


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lunes, 23 de septiembre de 2013

CINE EUROPEO - VENUS (ìdem, 2006) de Roger Mitchell






UN CAMBIO DE RUMBO AL FINAL DE CAMINO



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REGULAR
 


Maurice e Ian son viejos amigos y actores semijubilados de segunda fila. A pesar de haber llegado a los “años dorados”, siguen trabajando. Por ejemplo, Maurice encarna a un paciente hospitalizado en una telenovela. Pero su cómoda rutina y sus charlas matutinas en un café se ven interrumpidas por la llegada de Jessie, la bisnieta de Ian. Jessie no tarda en sacar de quicio a su tío abuelo. Pero la chica cae bien a Maurice, que decide enseñarle Londres. Y mientras intenta ayudar a Jessie, le sorprende descubrir lo poco que sabe de sí mismo cuando su vida está a punto de acabar.
 
Venus es la diosa romana del amor y la belleza, según el mito nacida al corazón del mar, escenario que ilustra inicio y epilogo del film. A su vez Venus está presente artísticamente en "La Venus del espejo", celebre realización del artista Diego Velásquez. Ambos elementos trascienden el puro valor relativo a la puesta en escena y se convierten en símbolos fotográficos a través de los cuales el director Roger Mitchell (el mismo de la fantástica “Un Lugar Llamado Nothing Hill”) transmite su lenguaje cinematográfico. 

Venus” es un escalón mas en la carrera del notable Peter O’Toole para lograr a una edad en la que ya muchos piensan en retiro, aùn mas conocimiento y elogios, si bien el Oscar por 8 vez consecutiva le fue esquivo. La banda sonora por momentos alternativa pop y por momentos clásica lírica, es otro aditamento a través del cual el director incursiona orientándose hacia el choque de los opuestos, que acaban por confluir en sus búsquedas no tan enfrentadas. Sin idealizar a sus personajes o envolverlos en un idilio, la trama se encarga de mostrar una carga sexual desinhibida, pero no del todo lo suficientemente emotiva como para atrapar a quien es testigo de esta historia. 

Es cierto que Mitchell maneja ese humor tan fino que caracteriza al cine ingles, con la ironía sutil que se entremezcla con melodrama conmovedor que deja un sabor agridulce, sin embargo (y rescatable, por cierto) es el hecho de no recurrir a golpes bajos o sensibleros. Aùn insuficiente, sin el tamiz que otorga la visión de Mitchell o el magnetismo de una presencia como la de O’Toole, vaya a saber que hubiera sido de un guión que no se destaca por su lucidez a la hora de retratar a este hombre enfrentando la otoñal vejez de su vida.
Más allá del esquivO trofeo dorado, el interprete inglès Peter O’Toole es un actor de una versatilidad innegable y está muy bien acompañado por la siempre eficiente Vanessa Redgrave y por una sensual Jodie Whitakker en el papel de conflictuada joven y a la vez objeto de deseo del maduro intèrprete. 

No es que el planteamiento y desarrollo de la historia no sea humanista en su observar sin juzgar, ni realista en su planteo existencial, pero cierta tensión se diluye demasiado en derivaciones poco inteligentes a la hora de plantear conflictos referidos a la amistad, a las brechas generacionales y ante la resignificación de la propia vida. Pretenciosos y abarcativos tópicos en donde "Venus" se queda anclada en capas más superficiales sin abordar de forma más profunda algunos aspectos que hubieran dado más dimensión y peso a la historia. El producto final no deja de ser digno de reflexión, aunque carente de rumbo.


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jueves, 19 de septiembre de 2013

HOLLYWOOD - LA NIEBLA (The Mist, 2007) de Frank Darabont





REVISITANDO UN CLÀSICO DE KING    



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BUENA

 


En un pequeño pueblo de Maine, estalla de repente una violenta tormenta que termina tan bruscamente como comenzó. Entonces aparece una espesa niebla que va entrando y atrapando a la gente en sus hogares, supermercados y va matando a todo aquel que se adentra en su oscuridad.


Si nombramos a Stephen King, su nombre en el terreno de la cinematografía está firmemente unido a su estirpe de novelista elite de ciencia ficción. Desde su brillante adaptación de “El Resplandor” por parte de Stanley Kubrick solo apenas un puñado de películas de la incontable cantidad de adaptadas han logrado perdurar en el tiempo. O bien sus novelas han caído en manos de directores novatos o, en el menor de los casos, en manos de directores de renombre y con acierto para saber encaminar sus proyectos para lograr hacer una adaptación digna. 

El propio Frank Darabont, como el versátil Rob Reiner han sido dos directores ejemplares que han sabido adaptar a la pantalla con éxito las consagradas novelas de King: “Misery”, “Cuenta Conmigo”, “Sueños de Libertad” y “Milagros Inesperados” fueron grandes películas ejemplos validos para corroborar esta tendencia de saber aprovechar el rico material con el que se cuenta para desenvolverse en un medio tan decadente como resulta hoy en día el cine de ficción o terror. Así como también el maestro del terror "clase b" John Carpenter podría agregarse a dicha lista con su notable adaptación de la perturbadora “Christine”.


El mismo, que se nutre de productos puramente comerciales repletos de secuelas o versiones remake hollywoodenses del terror oriental y es abonado a las historias más elementales y al publico menos entendido, no en vano “Imágenes del Mas Allá”, “El Descenso”, “Apariciones”, “El Juego del Miedo” entre otras, encuentran cómodamente un lugar en la pantalla. ”La Niebla” film adaptado de la homónima novela de Stephen King es en conjunto una buena historia con un conflicto como núcleo bien desarrollado, mezcla de tensión, suspenso y violencia sin recaer en esta por exceso ni regodearse en el efecto visual para causar impacto.  Aunque por momentos este como el uso del maquillaje podría haberse depurado mas para su provecho. 

Su matiz como film es más perturbador pasa por lo psicológico  el punto más alto será la conclusión final, en un desenlace que dejara paso a la polémica, que no respeta a la novela original de King pero q a fin de cuentas es un paso arriesgado. Sin tener en cuenta este punto, la adaptación de Darabont no dista en absoluto de la creación de King. Otro factor que hace que el film salga de la monotonía que ofrece el género es el hecho de contar con De un casting que rara vez se ve en este tipo de producciones, el film se permite reunir  caras conocidas como Marcia Gay Harden, Toby Jones, Andre Braugher y Thomas Jane. 

Darabont, con suficiente inventiva y acierto, pone al servicio de su elenco un manejo de cámara más que interesante. Para beneficio del film utiliza mucha cámara en mano que complementa con un ajustado uso de los efectos especiales. La marca registrada del abundante primer plano y algo de panorámica, que sirven para acrecentar el terror, la tensión de los protagonistas y lo desolador de un ambiente hostil y apocalíptico.



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CINE INDEPENDIENTE - EL CAMINO A GUANTÀNAMO (The Road to Guantànamo, 2006) de Michael Winterbottom






EL CORAZÒN DE LAS TINIEBLAS



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BUENA




Cineasta difícil de catalogar Michael Winterbottom, es imposible sintetizar su filmografía circunscribiéndola a los limites temáticos que rigen los géneros. Estamos hablando de un realizador versátil, provocador e inquieto de incurrir en personajes con un alto grado de tormento interior y en busca de un sentido existencial. Su amplia filmografía puede adentrarse en los excesos del mundo del rock en la Inglaterra de los ’70  (“La Fiesta Interminable”), en la adaptación de una novela melodramática y polémica (“Jude”), de filmar una historia futurista (“Código 46”) o de comprometerse con realidades sociales como en “Bienvenidos a Sarajevo”, labor que parece continuar con su mas reciente producción premiada en la ultima edición del Festival de Berlín, “El Camino a Guantánamo”.

"Camino a Guantánamo" es la historia de cuatro amigos británicos que en septiembre de 2001 viajaron desde Tipton, en las Midlands inglesas, para asistir a una boda y para unas vacaciones en Pakistán. Tardaron dos años y medio en volver a casa. Su viaje los llevó desde Tipton hasta Karachi, Kandahar, Kabul y Konduz, donde fueron capturados por la Alianza del Norte (formada por distintas facciones de grupos armados unidos por el objetivo de derrocar al régimen talibán) y luego pasaron a manos de los estadounidenses, que los condujeron a Kandahar. 

Desde allí, tres de ellos (Shafiq, de 23 años; Asif y Ruhel, ambos de 19 años) fueron trasladados a la base norteamericana de Guantánamo, en Cuba, donde permanecieron más de dos años prisioneros, sometidos a incontables humillaciones y torturas. El 5 de marzo de 2004 fueron trasladados al Reino Unido. En Londres, tras ser interrogados, fueron puestos en libertad sin cargos.

El film resulta una ambiciosa puesta de ficción-documental intensa  y realista sobre las torturas que el gobierno estadounidense practica sobre los sospechosos de terrorismo en condición de detención indefinida y al margen de los derechos civiles que la nación impone, dado la incertidumbre imperante en el mundo de hoy que se debate entre guerras y ataques terroristas, el film acaba siendo una experiencia schokeante. Con un estado democrático neutralizado y abolidos un marco racial y étnico de tolerancia, en nombre de la seguridad ante un probable ataque los gendarmes ejercen un ilegítimo y desmedido uso del poder. El inglés Michael Winterbottom consigue mostrar un mosaico de realidad mediante un cuadro de situación crudo y directo de un caso real de secuestro, privación de la libertad y tortura basado en el caso real de cuatro ciudadanos ingleses de origen musulmán que emprenden un viaje con motivos familiares.

Cierta confusión se adueña de la trama cuando sin explicación alguna estos jóvenes son puestos en el ojo de la tormenta del conflicto, factor extraño si se considera lo irritable del tejido socio político de aquellas geografías en ese entonces y, quizás, desconociendo los eventos que posteriores a lo sucedido el 11 de Septiembre de 2001 desembocaría en la ocupación bélica del territorio afgano pueda llegar a entenderse tal determinación argumental. Despejadas aquellas dudas y lejos de ser una road movie aventura, el film se adentra en el terror de estos prisioneros que sometidos a exigencias físicas y psicológicas mas allá del limite de lo tolerable. 

Con una estructura narrativa fruto de un relato posmoderno, el film se adentra de forma  documental en las declaraciones ante cámara de los protagonistas de la nombrada travesía devenida en tragedia,  y matizado con imágenes de archivo de noticieros, y la reconstrucción ficción mediante de su calvario se recrean escenas bélicas de gran realismo e impacto, rodadas con cámara en mano para recrudecer el fantasma de la guerra. Guantànamo, finalmente, es una pintura tristemente realista acerca de los campos de detenciones y el autentico descenso a los infiernos que es este viaje tan perturbador como interminable.


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miércoles, 18 de septiembre de 2013

PROTAGONISTAS - JOHNNY DEPP (1963-)






NACIDO PARA SER SALVAJE



John Christopher Depp II (Owensboro, Kentucky, 9 de junio de 1963), conocido artísticamente como Johnny Depp, es un actor y productor estadounidense nominado en tres oportunidades al Óscar y ganador de un Globo de Oro, un Premio del Sindicato de Actores y de un Premio César. Depp siempre se ha interesado por personajes peculiares, marginados o simplemente diferentes, como Edward Scissorhands o Willy Wonka. Sus películas más taquilleras han sido Piratas del Caribe, seguidas de Alicia en el País de las Maravillas, después Charlie y la Fábrica de Chocolate y The Tourist.

Johnny Depp nació en Owensboro, Kentucky, hijo de la camarera Betty Sue Palmer —cuyo apellido de soltera era Wells— y John Christopher Depp, Sr., un ingeniero civil. Tiene un hermano, Daniel (que es escritor), y dos hermanas: Christie, que trabaja como su administradora personal, y Debbie. Cabe señalar que Depp tiene ascendencias francesa, alemana, cheroqui e irlandesa, por lo que el propio Depp se autocalifica en entrevistas como un perro mestizo. Según algunos biógrafos, la familia estadounidense Depp surgió cuando un inmigrante francés hugonote, Pierre Deppe o Dieppe, se estableció en Virginia aproximadamente en 1700, y se integró en una colonia de refugiados ubicada sobre la cascada del río James. A los doce años, su madre le compró una guitarra eléctrica, y Johnny comenzó tocando en varias bandas de garaje. Su primera banda fue en honor de su novia Meredith. Cuando tenía quince años, sus padres se divorciaron, y Depp se refugió en el alcohol y las drogas, y dejó la escuela secundaria para convertirse en músico de rock. Una vez explicó en "Inside the Actors Studio" que intentó volver a la escuela dos semanas después, pero el director le habló de seguir su sueño de ser un músico.

Depp se mudó varias veces en su infancia: más de veinte lugares de mudanza acabaron en Miramar (Florida) cuando el actor tenía tan solo siete años. En 1978, con 15 años de edad, sus padres se divorciaron y tuvo una etapa bohemia, durante la cual se sumió en las drogas. Depp, que dice estar limpio, considera esta etapa como superada.




En 1983, tres años después de su llegada a California, Depp se casó con la maquilladora Lori Anne Allison, de quien se terminó divorciando en 1985. Su ex esposa, fue quien le presentó a Nicolas Cage en 1983, quien le convencería para que se presentara a una prueba cinematográfica. Depp asistió y agradó tanto a la hija del productor que terminó consiguiendo su primer papel en la película Pesadilla en Elm Street (1984) de Wes Craven.

Johnny es un bohemio empedernido, ávido lector y enfant terrible incorregible que en su tiempo libre disfruta de la pintura. Ha dibujado la portada del CD de Vanessa Paradis 'Divinidylle' que aparece en el inicio del video L'incendie. También ha pintado al actor Marlon Brando y a Keith Richards, guitarrista de los Rolling Stones. Además, colecciona obras de arte y visita museos de arte.



Antes de actuar, trabajaba como vendedor cobrando $25 semanales. Entonces conoció a Nicolas Cage y éste le animó a probar suerte en el mundo de la interpretación. Su primer papel fue en A Nightmare on Elm Street (1984), dirigida por Wes Craven. Sin embargo, la fama le llegó al interpretar al policía Tommy Hanson en 21 Jump Street (1987-1991).
En 1998 comenzó su relación con la actriz y cantante francesa Vanessa Paradis; ella captó su atención en la sala de un hotel en París mientras él filmaba la película The Ninth Gate (1999) en el mismo lugar. Contrariamente a la opinión popular, la pareja no se casó, aunque tuvieron una hija, Lily-Rose Melody Depp y un hijo, John (Jack) Christopher Depp III. La pareja dividía su tiempo entre Hollywood y una campiña al sur de Francia donde el actor podía asilarse de las luces de Hollywood a medida que su estrella crecía y su carrera se disparaba de forma meteórica. Además, Depp compró una isla en las Bahamas, si bien en junio de 2012, tras varios meses de rumores al respecto, Johnny Depp y Vanessa Paradis confirmaron su separación.
Depp se hizo copropietario del famoso bar «The Viper Room», y dejó de serlo en 2004, conocido por la muerte de la celebridad River Phoenix, quien murió frente a éste en 1993 y por lo cual Johnny Depp cerraba el bar cada 31 de octubre en honor al actor. Los críticos atacaron diciendo que ese lugar era la "cuna de la marihuana de Los Ángeles". Perturbado por la muerte y por cómo los paparazzi jugaban con el tema, Depp terminó abandonando el proyecto.

Entre sus papeles, destacan los de Edward Scissorhands (1990), Ed Wood (1994), Don Juan DeMarco (1995), Donnie Brasco (1997), Fear and Loathing in Las Vegas (1998), The Ninth Gate (1999), Antes que anochezca (2001), Finding Neverland (2004), Pirates of the Caribbean: the curse of the Black Pearl (2003), Pirates of the Caribbean: Dead Man's Chest (2006), Piratas del Caribe: en el fin del mundo (2007).

Entre los proyectos que rechazó destacan Leyendas de pasión, Speed, Entrevista con el vampiro o Sin City. Por otra parte, fue considerado para películas como Titanic, Batman Forever, la trilogía Matrix y Hulk. Parte de sus colaboraciones más reconocidas son las que forma con el director Tim Burton. Ha participado en ocho de sus películas: Edward Scissorhands, Ed Wood, Sleepy Hollow (1999), Charlie Y La Fábrica De Chocolate (2005), Corpse Bride (2005), Sweeney Todd (2007), Alicia En El País De Las Maravillas (2010) y Sombras Tenebrosas (2012), .




Vanity Fair publicó la lista de los Top 40 celebridades de Hollywood con más ingresos a lo largo de 2010 y Depp fue clasificado el número 2 en la lista, con ingresos estimados en $100 millones por sus películas.


Depp ha colaborado con el director y amigo Tim Burton en ocho películas, comenzando con Edward Scissorhands (1990), junto a Winona Ryder y Vincent Price. Su siguiente papel fue con Burton en 1994 con la película Ed Wood. El siguiente trabajo de Depp con Tim Burton fue en el papel de Ichabod Crane en Sleepy Hollow (1999), junto a Christina Ricci. Sleepy Hollow refleja la batalla de Burton con el sistema de estudios de Hollywood. Para su actuación, Depp se inspiró en Angela Lansbury, Roddy McDowall y Basil Rathbone.

Depp no ​​trabajó con Burton de nuevo hasta el año 2005 en Charlie y la fábrica de chocolate, en la que interpretó a Willy Wonka. Depp modeló el cabello del personaje de Anna Wintour. La película fue un éxito de taquilla y recibió críticas positivas. Charlie y la fábrica de chocolate fue lanzado en julio, seguido por Corpse Bride, película en la que Depp prestó su voz para el extravagante personaje de Victor Van Dort, en el mes de septiembre.


El siguiente año (2007) se estrenó Sweeney Todd, en la cual Depp alcanzó su segunda victoria importante, el Globo de oro al mejor actor - Comedia o musical, así como su tercera nominación al Óscar al mejor actor. Burton le había dado previamente, en el año 2000 una grabación del reparto original del musical de 1979. Aunque no es un fan del género musical, Depp creció conociendo del relato. Citó a Peter Lorre en Mad Love (1935) como su principal influencia para el papel, y practicó las canciones del musical durante el rodaje de Piratas del Caribe: en el fin del mundo. A pesar de que había participado en grupos musicales, Depp no estaba seguro en un principio de que ser capaz de sostener las letras de Stephen Sondhei.
El 18 de febrero de 2008, el portavoz del actor Jude Law informó que éste junto con Depp y Colin Farrell sustituirían en las escenas finales al fallecido actor Heath Ledger en la película The Imaginarium of Doctor Parnassus. Por otro lado, ha protagonizado la cuarta entrega de Piratas del Caribe, Pirates of the Caribbean: On Stranger Tides, que se estrenó el 20 de mayo de 2011.

En 2010 protagonizó The Tourist junto con Angelina Jolie, dirigida por el director ganador de un Óscar Florian Henckel von Donnersmarck. Por su trabajo en el film Johnny ganó un Teen Choice Award, un People's Choice Award y fue nominado a un Globo de Oro.
Johnny interpretó al vampiro Barnabas Collins en Sombras Tenebrosas, la adaptación cinematográfica de una antigua serie de televisión. La película, estrenada en 2012, fue dirigida por Tim Burton. Robert Rodríguez declaró que pretendía contar con Johnny Depp para la secuela de Sin City y retomar el papel del agente de la CIA Sheldon Sands, que interpretó en Once upon a time in Mexico en una nueva película centrada en este personaje. La productora Infinitum Nihil, de la que Johnny Depp es copropietario, ha adquirido los derechos para la adaptación cinematográfica de la novela El manuscrito de Dante, que él protagonizará, según ha informado la revista Variety.

Como guitarrista, Depp ha tocado la guitarra slide en la canción de Oasis "Fade In-Out" (de Be Here Now, 1997), así como en "Fade Away (Warchild Version)" (cara B del single "Don't Go Away"). También tocó la guitarra acústica en la película Chocolat y en la banda sonora de Érase una vez en México. Es amigo de Shane MacGowan de The Pogues, y colaboró en su primer disco en solitario. 
También fue miembro de P, un grupo con el cantante de Butthole Surfers, Gibby Haynes, el bajista de Red Hot Chili Peppers, Flea, y el guitarrista de Sex Pistols, Steve Jones. Ha aparecido en videoclips como Into the Great Wide Open de Tom Petty & The Heartbreakers y en Creep de Radiohead. También colaboró con el artista Marilyn Manson para la canción "You're So Vain" de su álbum Born Villain en 2012, así como en el videoclip de "My Valentine" de Paul McCartney.

Algunos de los premios que ha ganado Depp incluyen honores de la London Film Critics Circle (1996), la Screen Actors Guild Awards (2004) y un Globo de Oro al Mejor Actor. En el 2008 MTV Movie Awards, ganó el premio al "Mejor Villano" por su interpretación de Sweeney Todd y "Mejor Interpretación Cómica" por Jack Sparrow. Depp ha sido nominado para tres Premios de la Academia, en 2004, por Piratas del Caribe: La maldición de la Perla Negra, en el 2005 por Descubriendo Nunca Jamás, y en 2008 por Sweeney Todd. 
De un magnetismo único en pantalla, Depp ha utilizado sus interminable arsenal histriónico para convertirse en un actor de culto y reinventar su carrera, con una segunda juventud cumplidos los 50. Convertido en uno de los actores de moda de la última década, el intérprete ha sabido cosechar éxitos, cultivando su costado de galán, explotando su faceta más comercial y sus búsquedas artísticas mas personales e inquietantes, que le convierten, sin dudas, en una rara avis dentro del mapa del cine mundial. 


Filmografía seleccionada:


El llanero solitario (2013)

Actor

Sombras tenebrosas (2012)

Actor / Productor

Infiltrados en clase (2012)

Actor

Los diarios del Ron (2012)

Actor

La invención de Hugo (2012)

Actor

Piratas del Caribe: en mareas misteriosas (2011)

Actor

Rango (2011)

Voz

Alicia en el País de las Maravillas (2010)

Actor

The Tourist (2010)

Actor

El Imaginario del Doctor Parnassus (2009)

Actor

Enemigos públicos (2009)

Actor

Sweeney Todd. El barbero diabólico de la calle Fleet (2008)

Actor

Piratas del caribe: en el fin del mundo (2007)

Actor

Corpse Bride  (2005)

Voz

Piratas del Caribe. La maldición de la Perla negra (2003)

Actor

Once Upon a Time in México (2003)

Actor

Blow (2001)

Actor

Desde el infierno (2002)

Actor

Chocolat (2001)

Actor

Antes que anochezca (2001)

Actor

La cara del terror (2000)

Actor

Sleepy hollow (2000)

Actor

La novena puerta (1999)

Actor

Pánico y Locura en Las Vegas (1998)

Actor

The Brave (1995)

Actor / Director

Ambición peligrosa (1995)

Actor

A la hora señalada (1995)

Actor

Don Juan de Marco (1995)

Actor

Dead man (1995)

Actor

Ed Wood (1995)

Actor

¿A quién ama Gilbert Grape? (1993)

Actor

El sueño de Arizona (1992)

Actor

Benny and Joon, el amor de los inocentes (1992)

Actor

Eduardo Manostijeras (1991)

Actor

lunes, 16 de septiembre de 2013

PROTAGONISTAS - GEORGE CLOONEY (1961-)







 
              LA CLAVE DEL ÉXITO,
             CAMBIAR PARA TRIUNFAR





George Timothy Clooney (Lexington, Kentucky; 6 de mayo de 1961) es un actor, director, productor y guionista de cine estadounidense, ganador de los premios Óscar, Globo de Oro y BAFTA por sus papeles en las películas Syriana y Los descendientes, así como por haber producido la película Argo.


El padre de George Clooney, Nick Clooney, era un presentador de televisión muy popular en Cincinnati. Su madre era la política Nina Sento Warren. Tiene una hermana mayor llamada Ada (nacida en 1958). Además de su padre, cuenta con varios artistas en su familia, como sus tíos, Rosemary Clooney (cantante y actriz, 1928-2002), casada con José Ferrer (ganador de un Óscar al mejor actor en 1950 por el filme Cyrano de Bergerac), y sus primos Miguel (n. 1955) y Rafael Ferrer (n. 1960).
Se hizo conocido en la serie de televisión ER, aunque llevaba casi una década trabajando en muchas otras series de la pequeña pantalla. Luego tuvo éxito de público y crítica con filmes como O Brother, Where Art Thou? o Tres reyes.


Sin embargo, su primera gran pasión no fue la interpretación, sino el béisbol, pero no pudo cumplir su sueño de ser jugador profesional. Descubrió el cine gracias a un primo suyo, hijo del actor José Ferrer, que le animó a intervenir en un film con un breve papel. La película nunca se estrenó, pero Clooney se planteó entonces actuar en serio. Así que se trasladó a Los Ángeles, donde durante años estuvo trabajando como secundario en infinidad de series de televisión. Llegó a ser el actor desconocido mejor pagado de Hollywood. Todo cambió a mediados de los años '90, cuando participó en ER. La serie tuvo un gran éxito y convirtió a Clooney en una estrella. A partir de entonces empezaron a llegarle ofertas para el cine. Su primera gran producción fue From Dusk Till Dawn, un thriller vampírico de Robert Rodríguez y Quentin Tarantino producido en 1995.


Clooney se ha ido consolidando como una gran estrella de Hollywood tanto por su atractivo, su sólida presencia como actor y por su talento versátil e incansable, desarrollando una potente filmografía con una veta autoral poco habitual en el Hollywood contemporáneo. En su filmografía destacan títulos como la comedia romántica Un día inolvidable, junto a Michelle Pfeiffer; Un romance muy peligroso, un inteligente thriller de Steven Soderbergh (la película que más le ha gustado protagonizar); o el drama bélico Tres reyes, por el que cosechó muy buenas críticas. 
Como un Cary Grant del Siglo XXI, en los últimos tiempos hemos podido verle en Ocean's Eleven, y sus secuelas Ocean's Twelve y Ocean's Thirteen, el film La tormenta perfecta y O Brother, Where Art Thou?, la comedia de los hermanos Coen con la que Clooney se llevó un Globo de Oro. Años más tarde repitió con esta dupla de directores en otra comedia, Intolerable Cruelty, que protagonizó junto a Catherine Zeta-Jones.

Además, se ha asociado a Steven Soderbergh como productor: ambos son responsables de Bienvenidos a Collinwood, una comedia negra en la que George tiene un pequeño papel; el thriller Insomnia, con Al Pacino y Robin Williams, y Solaris, protagonizada por Clooney y dirigida por Soderbergh. También ha debutado como director con Confesiones de una mente peligrosa, en la que también actúa, junto a un estelar elenco.
Tras su debut como director, repitió recientemente la experiencia con Buenas noches, y buena suerte (Good night, and good luck), en donde interpretó además un papel secundario. Gracias a este trabajo lo nominaron como mejor director en la gala de los Premios Óscar 2005. Y aunque finalmente fue Ang Lee quien ganó el premio, Clooney se llevó posteriormente su primera estatuilla como actor secundario por su camaleónica interpretación en Syriana.
En 2006 protagonizó "El Buen Alemán", junto a Cate Blanchett. Presentó además la tercera parte de la saga Ocean's y protagonizó la aclamada Michael Clayton, thriller ambientado en el mundo de las grandes corporaciones multinacionales. Ha hecho apariciones en series cómicas de televisión como Roseanne y Friends y ha completado su multifacética labor dirigiendo la premiada "The Ides of March" y produciendo la ganadora del Oscar Argo.


Explotando su atrayente costado de galán y su cada vez más sólida seriedad actoral, Clooney ha encontrado la clave del éxito en la madurez de su carrera, forjando una de las carreras mas brillantes y prolíficas de las que cualquier estrella hollywoodense pueda preciarse.



Filmografía:


Filmografía completa como director



    2002: Confesiones de una mente peligrosa.

    2005: Buenas noches, y buena suerte.

    2008: Jugando sucio.

    2011: Los idus de marzo.

    2013: The monuments men.



Filmografía completa como actor



    1986: Combat Academy

    1987: Return to Horror High (Return to horror high) de Bill Froehlich.

    1987: Grizzly II: The Predator (Grizzly II: el depredador).

    1988: Return of the killer tomatoes! (El retorno de los tomates asesinos) de John De Bello.

    1990: Surf Connection (Red Surf) de H. Gordon Boos.

    1992: Unbecoming Age (Unbecoming Age) de Alfredo Ringel y Deborah Ringel.

    1994: Urgencias (1994 como el Doctor Doug Ross).

    1995: From dusk till dawn (Abierto hasta el amanecer) de Robert Rodríguez.

    1996: Obsesionada con el crimen (Curdled) de Reb Braddock.

    1996: Un día inolvidable (One Fine Day) de Michael Hoffman.

    1997: Batman y Robin (Batman & Robin) de Joel Schumacher.

    1997: El pacificador (The Peacemaker) de Mimi Leder.

    1998: Un romance peligroso (Out of Sight) de Steven Soderbergh.

    1998: La delgada línea roja (The Thin Red Line) de Terrence Malick

    1999: South Park: bigger longer & uncut (South Park: más grande, más largo y sin circuncidar) de Trey Parker.

    1999: Three kings (Tres reyes) de David O. Russell.

    2000: O brother, where art thou? (¿Dónde estás, hermano?) de Joel Coen y Ethan Coen.

    2000: The perfect storm (La tormenta perfecta) de Wolfgang Petersen.

    2001: Spy kids (Chicos espías) de Robert Rodríguez.

    2001: Ocean's eleven (Los once de Ocean) de Steven Soderbergh.

    2002: Confessions of a dangerous mind (Confesiones de una mente peligrosa) de George Clooney.

    2002: Solaris (Solaris) de Steven Soderbergh.

    2002: Welcome to Collinwood (Bienvenidos a Collinwood) de Anthony Russo y Joe Russo.

    2003: Spy Kids 3-D: Game Over (Spy Kids 3-D: Game Over) de Robert Rodríguez.

    2003: Intolerable Cruelty (El amor cuesta caro) de Joel Coen y Ethan Coen.

    2004: Ocean's Twelve (Los doce de Ocean) de Steven Soderbergh.

    2005: Buenas noches, y buena suerte

    2005: Syriana (Syriana) de Stephen Gaghan.

    2006: The good german (El buen alemán) de Steven Soderbergh.

    2007: Ocean's thirteen (Los trece de Ocean) de Steven Soderbergh.

    2007: Michael Clayton (Michael Clayton) de Tony Gilroy.

    2008: Leatherheads (Jugando sucio) de George Clooney.

    2008: Burn After Reading (Quemar después de leer) de los hermanos Coen.

    2009: Urgencias -vuelve como el doctor Doug Ross para la última temporada-.

    2009: Up in the Air (Amor sin escalas) de Jason Reitman.

    2010: Los hombres que miraban fijamente a las cabras, de Grant Heslov.

    2010: The american (El americano), de Anton Corbijn.

    2011: The Ides of March, de George Clooney.

    2011: The Descendants, de Alexander Payne.

    2013: Gravity, de Alfonso Cuarón.

    2013: The monuments men, de George Clooney.



Premios


Premios Óscar


Año
Categoría
Película
Resultado

2013 
2012

Mejor Película
Mejor actor

Argo
Los descendientes

Ganador
Nominado
2012
Mejor guion adaptado
The Ides of March
Nominado
2009
Mejor actor
Up in the Air
Nominado
2007
Mejor actor
Michael Clayton
Nominado
2005
Mejor director
Buenas noches, y buena suerte
Nominado
2005
Mejor guion original
Nominado
2005
Mejor actor de reparto
Syriana
Ganador

 
Premios Globo de Oro


Año
Categoría
Película/Serie
Resultado

2013

Mejor película - Drama

Argo

Ganador
2012
Mejor actor - Drama
The Descendants
Ganador
2012
Mejor director
The Ides of March
Nominado
2012
Mejor guion
Nominado
2012
Mejor película - Drama
Nominado
2009
Mejor actor - Drama
Up in the Air
Nominado
2007
Mejor actor - Drama
Michael Clayton
Nominado
2005
Mejor director
Buenas noches, y buena suerte
Nominado
2005
Mejor guion
Nominado
2005
Mejor actor de reparto
Syriana
Ganador
2000
Mejor actor - Comedia o musical
O Brother, Where Art Thou?
Ganador
1997
Mejor actor de serie de TV - Drama
Urgencias
Nominado
1996
Nominado
1995
Nominado


Premios BAFTA


Año
Categoría
Película
Resultado

2013

Mejor película

Argo

Ganador
2011
Mejor actor
Los descendientes
Nominado
2009
Mejor actor
Up in the Air
Nominado
2007
Michael Clayton
Nominado
2005
Mejor director
Buenas noches, y buena suerte
Nominado
2005
Mejor guion original
Nominado
2005
Mejor actor de reparto
Nominado
2005
Syriana
Nominado


Premios del Sindicato de Actores


Año
Categoría
Película
Resultado

2012

Mejor reparto

The Descendants

Nominado
2012
Mejor actor
Nominado
2010
Up in the Air
Nominado
2008
Michael Clayton
Nominado
2005
Mejor actor de reparto
Syriana
Nominado
1998
Mejor reparto de TV - Drama
Urgencias
Ganador
1997
Ganador
1996
Mejor actor de TV - Drama
Nominado
1996
Mejor reparto de TV - Drama
Ganador
1995
Mejor actor de TV - Drama
Nominado
1995
Mejor reparto de TV - Drama
Ganador
1994
Mejor reparto de TV - Drama
Nominado


Premios Primetime Emmy


Año
Categoría
Película
Resultado

1996

Mejor actor - Serie dramática

Urgencias

Nominado
1995
Nominado