martes, 28 de enero de 2014

MINISERIE - TIEMPO FINAL (Telefé, 2000-2002) de Sebastián Borenzstein





EL TIEMPO ES TIRANO



* * * * *
EXCELENTE






Tiempo final recuerda y mucho al suspenso utilizado a la manera de Alfred Hitchcock, donde recurre al impacto con un gran tono policial, alguna dosis de humor, giros y reveses inesperados que hacen que el espectador no adivine el desenlace hasta el segundo final. Además, presenta como protagonistas a personas de existencia aparentemente normal que en determinadas instancias se enfrentan a situaciones inesperadas.

La historia de la serie es narrada durante una hora en tiempo real. Esto es, la fórmula clásica de una trama de ficción (presentación, nudo y desenlace) desarrollada sin solución de continuidad en algo menos de 60 minutos. La imágenes no eran producidas sobre montajes nerviosos, cortes abruptos entre planos que duran décimas de segundo o cámaras ubicadas en ángulos inverosímiles. El aspecto visual del formato se basaba en las fórmulas más clásicas de la narración y de la puesta en escena, que procuran aprovechar con una fotografía muy luminosa y un prolijo andamiaje técnico.

La variedad de historias abarcaban situaciones que van desde una mujer que sorprende a su pareja en un acto de infidelidad, disparándole a éste y a su amante, y al intentar desprenderse de los cuerpos enfrenta una serie de vicisitudes de las que termina también siendo víctima; pasando por un desequilibrado ex presidiario y falso plomero envuelve en una peligrosa odisea a un profesional discapacitado y a su kinesióloga, hasta relatos sobre un hombre que planea envenenar su esposa de 35 años de matrimonio para escaparse con su amante y que con la inesperada aparición de un ladrón tuerce el curso de los hechos y replantea el lugar del victimario y la víctima.

Los capítulos están casi completamente ambientados en interiores. Asimismo, los relatos ofrecen varios puntos en común: hay personajes que no pueden controlar lo que ocurre a su alrededor, hay circunstancias azarosas que modifican inesperadamente los planes más elaborados, hay reacciones emocionales ante situaciones extremas que sepultan cualquier actitud equilibrada y un humor sardónico que sobrevuela como una sombra negra las instancias de suspenso en las que se mueven los personajes.

Las historias no moralizan ni abren juicio sobre las conductas de los protagonistas, por cuanto se limitan a respetar el espíritu de la narración. Permiten trabajar sobre las múltiples posibilidades visuales y argumentales del suspenso, todo para lograr el objetivo final, cumplido con creces: mantener en vilo la atención del televidente y jamás perder el efecto sorpresa, tan mentado a la hora de generar un buen suspenso.


Mientras la serie original de Borenszetin emitida en Telefé durante tres temporadas (2000/2001/2002), en Chile se ha realizado una adaptación titulada Tiempo final: En tiempo real. Sus 2 temporadas fueron emitidas por TVN en 2004 y 2006 en horario central y repetidas en 2007 en segunda franja. Fox Latinoamérica estrenó en 2007 una nueva versión realizada en Colombia y emitida para Latinoamérica. El formato también fue vendido a la cadena española Antena 3, quien durante el año 2004 llevó a cabo y emitió la versión local titulada Desenlace.

 



Ficha Técnica:
Género:            Thriller
Creador:           Alejandro y Sebastián Borensztein
Producción:        BBTV y TELEFE
Temporadas         3
Episodios 
Temporada 1: 22
Temporada 2: 21
Temporada 3: 26
Producción:         Alejandro y Sebastián Borensztein
Prod. ejecutiva:    Lilian Olivares - Marcela Calabró
Dirección:          Diego Suárez y Sebastián Borenztein
Cadena original:    Telefe.
Duración:           60 minutos
Fechas de emisión:  3 de agosto de 2000 - 14 de octubre de 2002
Otras cadenas:      Telefe Internacional




Producción y equipo técnico

Maximiliano Ezzaoui - Andrés Palacios

Escenografía: Sergio Carnevali

Ambientación:Valeria Ebel

Sonido: Fernando Granda Arnaez

Musicalización: Federico Martínez

Vestuario: Marta Fernández

Diseño de pantalla: Medialuna

Producción: Sebastián Brunetti - Paula Kirchner - Paula Mysyna – Paula Rial

Dirección de fotografía: Leandro Martínez

Producción técnica: Claudio Kryksman

Producción ejecutiva: Lilian Olivares – Marcela Calabró

Dirección: Diego Suárez

Producción general: Alejandro Borensztein

Idea y dirección general: Sebastián Borensztein



 

Clip - trailer:


ANIMACIÓN - DESPERTANDO A LA VIDA (Waking Life, 2001) de Richard Linklater







LA VIDA ES SUEÑO




* * * *
MUY BUENA



"Bocas del aire del mar
beban la sal de esta luz
para sí
ya coman en la eternidad
algo se va ahogar
es este ardor y es esta la fiebre del que espera
frente al despertar
vámonos de aquí...

No llores más ya no tengas frío
No creas que ya no hay más tinieblas
Tan sólo debes comprenderla
Es como la luz de primavera
Es como la luz de primavera
Altas mareas del sol
llenan sus bocas con él
el idiota
ya nada puedo hacer por él
El se quemará mirando al sol
y es esta la historia del que espera
para despertar
Vámonos de aquí" - A Starosta el idiota, Luis Alberto Spinetta





"Waking Life" muestra las variadas conversaciones que un anónimo protagonista tiene con distintas personas que parecen entrar y salir de su vida sin motivo aparente. Pero paulatinamente se atisba un propósito detrás de los crípticos y profundos intercambios. La primera gran frase de "Despertando a la Vida", El Sueño es el Destino, marca la gran idea sobre la que gira la película: entrometerse con el mundo de los sueños. Tan inquietante y honesto como oscuro y apasionante, abrirse a él pese a no poder controlarlo, permitirse disfrutar al máximo del instante eterno que dura.

El título "Waking life" hace referencia a la máxima de Jorge Santayana: "sanity is a madness put to good uses; waking life is a dream controlled." Ésta se traduciría al español como: "la cordura es una locura que se usa para bien; la vida despierta es un sueño controlado" y se aplica a la trama del film, en donde un joven se encuentra en permanente estado de sueño lúcido. El film sigue al protagonista mientras inicialmente observa y luego participa en discusiones filosóficas que entrelazan temas como realidad y apariencia, libre albedrío, nuestras relaciones con otros, y el significado de la vida. Durante su curso, el film toca otros temas, que incluyen nada menos que existencialismo, situaciones políticas, post-humanidad y la teoría cinematográfica de André Bazin. 

La producción de la cinta se caracteriza por mostrarnos una película que fue filmada con actores reales y después, a través del rotoscopio, animada de tal forma que se pudiera dar la sensación de que se estaba presenciando el sueño de una persona. Logrando la animación mediante la técnica de rotoscopia y completamente en video digital, para luego ser editada por un grupo de especialistas mediante el uso de computadoras, el proceso permitió dibujar líneas estilizadas y colores a cada fotograma y es similar al estilo de rotoscopía usado por Ralph Bakshi en la década de 1970.

De acuerdo con el efecto onírico que provoca, el film se vale de una técnica animación llamada originariamente "Rotoshop". La técnica no es innovadora, ya que quien la pone en uso es uno de los hermanos Fleicher durante los períodos 1920 y 1939. Para esta ocasión, los animadores superponen secuencias en vivo (grabadas por Linklater) con animaciones que bruscamente se aproximan a las imágenes filmadas, donde una variedad de actores fueron empleados.

Hacer una película que ocurría en la mente de una persona es todo un reto, pero lo que se trataría dentro de ella es una prueba aún más difícil de cumplir. El trabajo de investigación y adaptación que ha logrado Richard Linklater, guionista y director del filme, es realmente impresionante. Si bien el resultado final, aunque destcable, es también pretencioso, diversificado y complejo.

La trama que maneja la cinta sirve para unir una gran cantidad de citas, reflexiones, teorías, pensamientos e ideas acerca de una gran diversidad de temas que se relacionan directamente con la persona humana actual. El lenguaje, la libertad, el libre albedrío, la democracia, la existencia, la reencarnación, el amor, la percepción, el destino y la realidad. También reflexiona acerca de la humanidad, la sociedad, la religión, la fé, la duda, el sometimiento, el odio, Dios, la cultura, la evolución, el trabajo, la teoría, el sueño, la muerte, el arte y el cine. 

Aristas tan variadas y heterogéneas como inabarcables, pero son tan solo algunos de los muchos tópicos que resumen en esta película a las corrientes filosóficas más importantes del Siglo XX, desde Timtohy Leary a Jean-Paul Sartre sin escalas. La gran cantidad de narraciones y la complejidad de sus contenidos, se vuelven un reto de concentración para el público que intenta mantenerse atento en lo que se dice, mientras que una animación llamativa también exige cierto grado de atención para hilar las ideas con imágenes. "Waking Life" también se transforma en un desafío para su espectador, acerca del rango de atención y paciencia que deberá extenderse a lo largo de mas de 90 minutos.

Dentro de la producción es posible que uno pueda diferencia a diversos actores conocidos como Ethan Hawke (quien retoma el personaje de Jesse con el que protagonizó la cinta Before Sunrise, también escrita por Linklater), así como escenas del video clip ícono de los '90 “Smells Like Teen Spirit” de Nirvana y una película de un autor de culto como Kurosawa. A propósito de citas y autoreferencias, los personajes son reminiscencias del clásico de culto de Linklater Slacker.

La peculiaridad del film, dados la profundidad filosófica de los temas y el contenido existencialista que abordan, se trasluce por estar enfocada al diálogo (a menudo incluso al mónologo) más que en la acción de la trama en si misma. En este sentido, recuerda a "My Dinner with Andre" y "Mindwalk". Largas escenas de Waking Life consisten apenas en tomas en primer plano de los personajes, mientras examinan explicaciones a cuestiones filosóficas.

La duda es una forma de estar abierto a la fé, a creer. De tal forma, al dudar acerca de lo que uno hace o vive y tratar de buscarle conclusión, uno esta abierto a creer en muchas cosas; por lo tanto tiene la mente abierta hacia lo que lo demás dicen, hacen, creen y sienten. Y el cine, como expresión artística, es un válido vehículo que conduce a creer en mundos mágicos e insondables. En “Despertando a la Vida”, un joven vive en sus sueños esta búsqueda, y a través de escuchar las conversaciones de una infinidad de personajes: conocemos la forma en como se habla, se hace, se cree y se siente en actualidad. La película es, entonces, una interesante y extensa terapia filosófica acerca de lo que la humanidad ha logrado durante el último siglo.

Postulada para numerosos premios, principalmente por sus logros técnicos, Waking Life ganó el premio "National Society of Film Critics" en la categoría de Mejor Película Experimental, el "New York Film Critics Circle" en la categoría de Mejor Película Animada y el "Venice Film Festival" por Mejor Película. Fue, además, nominada al "Golden Lion", premio principal del Festival. La banda sonora de Waking Life estuvo a cargo de Glover Gill y la Tosca Tango Orchestra.



Clip - trailer:




jueves, 23 de enero de 2014

HOLLYWOOD - DIAMANTE DE SANGRE (Blood Diamond, 2006) de Edgard Zwick





 EL REVERSO DE LA MORAL



* * * * 
MUY BUENA






Con el caos y la guerra civil que en los años '0 envolvió Sierra Leona como telón de fondo, "Diamante de Sangre" es la historia de Danny Archer, un ex mercenario sudafricano, y Solomon Vandy, un pescador de Mende. Ambos hombres son africanos, pero sus historias y sus circunstancias son completamente diferentes. Sus destinos se unen en la búsqueda conjunta para recuperar un diamante rosa, poco común, que puede transformar sus vidas. 

Mientras se halla en prisión por contrabando, Archer se entera de que Solomon, quien fue separado de su familia y obligado a trabajar en las minas de diamantes, ha encontrado y escondido la extraordinaria piedra sin pulir. Con la ayuda de Maddy Bowen, una periodista americana cuyo idealismo se ve atenuado por una profunda relación con Archer, los dos hombres emprenden un viaje por territorio rebelde. La travesía, más que una búsqueda del valioso diamante, podría salvar a la familia de Solomon y dar a Archer la segunda oportunidad que creía que nunca tendría.


El film dirigido por Edward Zwick es parte de la reciente moda de adaptar historias que transcurren en el corazón de la cuna del mundo, el siempre misterioso y cautivante continente negro. Zwick demuestra un cabal conocimiento del tema que trata y dando sus hábiles dotes como narrador el realizador de films como  “Tiempos de Gloria”, “Valor Bajo Fuego” y “El Ultimo Samurai” sabe de lo que habla y le dedica un tratamiento serio a esta ficción que se desarrolla durante la guerra civil de Sierra Leona, que de forma tan cruda transcurro a fines de la década del ´90. 

La historia hace hincapié en el tráfico de diamantes y los entrenamientos de niños soldados para las milicias que buscan derrocar el poder gobernante, factor ideológico que sobrecarga la trama del film y que reitera en mas de una oportunidad -quizás en exceso- para una edición que lleva varios minutos de mas de metraje. A lo largo de su recorrido retrata un hecho ocurrido en ese continente, donde se mezclan, sin ningún tipo de escrúpulos intereses comerciales con fines políticos. 

La violencia es un punto fuerte del film, que el director sabe combinar sin sutilezas a la hora de mostrar el lado mas crudo y las miserias humanas mas degradantes con el factor de entrenimiento que otorga una cinta de aventuras, apoyada en una brillante fotografía que enmarca los colores y climas que caracterizan este tipo de relatos, conformando rubros técnios impecables. No es en vano destacar el lado oscuro de la historia: esa brutalidad casi primitiva en esa odisea que viven los protagonistas. Uno un nativo que busca recuperar a su familia, otro, un mercenario de moral dudosa y conductas ambiguas dispuesto a matar o morir por su causa.

Los tres protagonistas principales de la historia son un trío actoral de lujo: Leonardo Di Caprio,  Djimon Hounsou y Jennifer Connelly están impecables en sus roles. Para Di Caprio es otra consabida muestra de sus dotes camelonicos, agregándole a cada personaje que interpreta, mas allá de la distinción física, el notable acento que logra para hacer creíble a la procedencia anglo africana de su personaje, tal como lo hiciera para la interpretación de un policía bostoniano en “Los Infiltrados”. Djimon Hounsou enciende la pantalla cada vez que aparece en escena, con su notable porte físico y personalidad, es el interprete adecuado para el rol, mientras que Jennifer Connelly  es la cuota femenina que aporta belleza y su talento muchas veces menospreciado.


Clip - trailer:




lunes, 20 de enero de 2014

CINE ARGENTINO - LA SUERTE ESTÁ ECHADA (2005) de Sebastián Borenzstein









LA SUERTE DISPAR


* *
REGULAR




Para su desgracia, Felipe empieza ser considerado como un actor mufa y no hay nada que pueda hacer al respecto, tanto es así que hasta él mismo se convence de su desgracia cuando le resultan infructuosos los intentos por abandonar su mala suerte. Paralelamente, su medio hermano Guillermo, es despedido de su empleo y es abandonado por su novia, mientras que su padre, Víctor, es anoticiado de un tumor cerebral que acabará en pocos días con su vida. La enfermedad del padre reune nuevamente a los hermanos al convocarlos para cumplir un particular último deseo. Para Felipe y Guillermo el pedido los obliga a enfrentarse con sus propias realidades y a definir si realmente la suerte que los acompaña, está echada.


El cine es otra cosa y bien lo sabe Sebastián Borensztein, quien luego de una extensa y valorada trayectoria en TV (unitarios como los brillantes "El Garante" y  "Tiempo Final" entre otros títulos) decide dar el gran salto a la pantalla grande. Siguiendo el camino que hace un par de años inició Damián Szifron, el debut de Borensztrin podría calificarse igualmente de promisorio y si bien muestra una labor todavía en ciernes, no podemos negar que el hijo del gran Tato posee un talento muy especial a la hora de encarar sus proyectos.


La trama le elude a los lugares comunes y a los atajos previsibles y, si bien la concepción de la puesta en escena no es del todo ordenada, (quizás un poco condicionado con lo limitado de su transitado ámbito televisivo) se puede denotar cierta carencia de timing a la hora de la resolución cómica. A su costado humorístico le sigue una veta dramática, donde se puede vislumbrar un estilo cómico que va acorde con el tono de la película y con la simpatía que transmiten sus personajes, en donde las figuras de Marcelo Mazzarelo y Gastón Pauls parecen ideales para resolver con oficio los siempre presentes gags que condimentan y que, gracias a la acertada labor de Borenszetin, no inundan al film. 

No corren igual suerte los personajes femeninos de la historia, quienes un tanto unidimensionales vienen a ser algo así como una parodia contrapuesta de la existencia de estos dos medio hermanos, su padre y las mujeres que influenciaron a estos tres a lo largo de sus vidas. Por eso quizás los personajes de Leticia Bredice, de Paola Krum y de Julieta Cardinali pasen un tanto desapercibidos y su participación se limite a cierta mirada poco contemplativa. 


La película se propone explorar el tema consabido de la mala suerte (la mufa, como leyenda urbana aceptada y condenatoria) aunque en el devenir de la historia la estructura dramática abarcara distintos temas como la vocación, la búsqueda de la identidad en el pasado, la relación padre e hijo, la fraternidad y el amor esquivo. Aunque a veces con personajes secundarios de limitado aporte que aparecen inconexos o de poca trascendencia y que podrían haber aportado mas riqueza y encanto a la historia, la misma parece no agotar todo su potencial previo. 

Sin embargo, "La Suerte esta Echada" cumple su objetivo de entretener y no se propone moralejas ni reflexiones profundas. Como opera prima es la carta de presentación de Sebastián Borensztein en un hábitat que le fue ajeno hasta esta presente incursión, con la cual el realizador se revela como un director nóvel y talentoso, pero que deberá adaptarse a un medio que no hace sencilla -salvo excepcionales casos- la transición desde la TV.



Clip - trailer:




viernes, 17 de enero de 2014

MINISERIE - LA CIUDAD DESNUDA (Naked City, 1958-1963) de Stirling Silliphant






MIL Y UN HISTORIAS EN LA 
CIUDAD QUE NUNCA DUERME



* * * * *
EXCELENTE





"Naked City fue" un clásico policial de extraordinaria popularidad en la TV norteamericana de fines de los años '50, en plena crisis cinematográfica, fruto de la transición hacia los nuevos géneros, el colapso de los grandes estudios y la proliferación de la novedosa TV.

La serie presentaba el inusual ingrediente de su filmación en escenarios reales de New York, lo que le imprimía un "feeling" de cruda realidad infrecuente en las series de la época. A lo largo de 4 temporadas y 138 episodios la serie policíaca se basaba en la película "La ciudad desnuda" (1948) de Jules Dassin, un drama criminal que se centra en el precinto 65 de Nueva York, en los detectives de policía, en los criminales y en sus víctimas. Con un enfoque realista y pseudo-documental, las historias enfatizan el elemento humano que une ambos lados de la ley.

Las historias giraban en torno al trabajo policial del veterano teniente Dan Muldoon (John McIntire) y su joven ayudante el detective Jim Halloran (James Franciscus), detrás de todo tipo de asesinos, ladrones y estafadores que habitaban el lado sórdido de la ciudad.

La serie experimentó cambios en su elenco y a al final de su primera temporada, cuando el Detective Muldoon murió en una persecución espectacular cuando su patrullero chocó contra un camión tanque repleto de nafta. A partir de la segunda temporada, Muldoon fue sustituido por otro veterano,el teniente Mike Parker (Horace McMahon). Lo acompañaban un nuevo ayudante joven, el detective Adam Flint (Paul Burke), su novia Libby (Nancy Malone) y el sargento Frank Arcaro (Harry Bellaver).

Parker, encarnado por el recio Horace McMahon, era el perfecto policía duro de gran ciudad, y su actuación fue un claro factor de éxito para la serie. McMahon ya había hecho un papel similar y gravitante en "La Antesala del Infierno" ("Detective Story", 1951), una película de Williamn Wyler con Kirk Douglas, Eleonor Parker y William Bendix. De ahi que este segundo elenco sea el más recordado entre los televidentes uruguayos de la época.
También se agregaba un bonito tema musical como telón de fondo ("Somewhere in the Night", por Billy May y Milton Raskin) que marcaba los tonos dramáticos de la serie.

Pero la estrella era la propia New York donde, como el narrador indicaba al comienzo y al final de cada episodio, "Hay ocho millones de historias en la ciudad desnuda, ésta es sólo una de ellas...". Estaba a su vez inspirada en una historia de Mark Hellinger que se convirtió en una película de 1948 también llamada "La Ciudad Desnuda", protagonizada por Barry Fitzgerald y Howard Duff y dirigida por Jules Dassin. El film fue galardonado con dos premios Óscar en 1949 en las categorías de mejor fotografía (William H. Daniels) y mejor montaje (Paul Weatherwax). 

Preservada desde 2007 en el Registro Nacional de Filmes (National Film Registry) de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos, por ser considerada «cultural, histórica, o estéticamente significativa», la película -filmada en blanco y negro, con estilo semidocumental- se rodó en las calles de Nueva York, mostrando lugares emblemáticos como el puente de Williamsburg y el edificio Whitehall de Manhattan.

Según el libro Noir Style de Alain Silver y James Ursini, la estética de La ciudad desnuda se inspiró en el fotógrafo neoyorquino Weegee, que publicó un libro de fotos sobre la vida de la ciudad de Nueva York bajo el título Naked City (1945).




Clip - intro de la serie:



Clip - fragmento de episodio protagonizado por Robert Redford:



Clip - fragmento de episodio protagonizado por George C. Scott: