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martes, 3 de diciembre de 2013

CINE INDEPENDIENTE - PEQUEÑA MISS SUNSHINE (Little Miss Sunshine, 2006) de Jonathan Dayton y Valerie Faris





EL VIAJE INTERIOR


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MUY BUENA



"Pequeña Miss Sunshine" es una road movie sobre una familia americana que rompe cualquier molde. La película presenta a una de las familias más desestructuradas de la historia reciente del cine: los Hoover, cuyo viaje a un concurso de belleza preadolescente no sólo provoca un cómico caos, sino también muerte y transformación, echando un conmovedor vistazo a las sorprendentes recompensas de ser un perdedor dentro de una cultura obsesionada con la victoria.
 
Una de las gratas sorpresas del cine independiente americano de la temporada 2006, como es costumbre en estos últimos tiempos el film rejleja un cine indie que encontró refugio y repercusión en el ascendente festival de Sundance y que creció de la mano de jóvenes y talentosos directores con su particular visión de la sociedad americana para explotar tópicos que salían de lo comúnmente abordados. “Pequeña Miss Sunshine” es al mismo tiempo una  sátira sobre la sociedad norteamericana, pero sin la ironía y la perversión de Todd Solondsz (“Storytelling”) o Neil La Butte (“Persiguiendo a Betty”), y una comedia disparatada con espíritu de road movie que nos muestra la radiografía de una familia disfuncional como una porción sectorizada de la propia sociedad americana, con un dejo de amargura, pero con mucha picardía y magia a la vez.

La clave fundamental para congeniar todos estos aspectos la encuentra en un guión sólido, que pocas veces se pierde en intrascendencias y en un elenco de lujo, con grandes intèrpretes que suelen brillar en este tipo de pequeñas producciones, sin ser estrellas rutilantes del firmamento del Hollywood mas comercial. Greg Kinnear es un actor subvalorado y aquí demuestra su gran talento desplegando la ambigüedad de un cuarentón jefe de familia con la receta ideal para motivarse y alcanzar el éxito, aunque su vida personal este plagada de frustraciones. Es grato ver desenvolverse con soltura a Steve Carrell en un papel dramático, virtud que también le hemos visto a Ben Stiller, a quien comienza a parecerse màs y màs. La genial y siempre dúctil Toni Collette, el experimentado Alan Arkin que tuvo su mejor momento actoral allá por los lejanos años ‘60 y la sorprendente Abigail Breslin completan el reparto.

El film toca aristas conocidas como la falta de comunicación en la familia, la realización utópica y las miserias del sueño americano, así como también la búsqueda desesperada del éxito en mayor o menor medida marcado por el patetismo de un estilo de vida o lo bizarro de una citación dramática. Elementos que se van acomodando a las necesidades del guión para cerrar lo mejor posible a pesar de algún que otro exceso narrativo, pero funcional al animo del espectador. 

A diferencia de las películas de terror que absorben personalidades de la TV para convertirlos en cineastas y así reciclar viejos éxitos o se agotan en secuelas, el film demuestra que dos directores surgidos del ámbito de la publicidad y los video clips entienden el lenguaje cinematográfico y tienen en comùn algo tan esencial como simple: una buena historia para contar.


Clip - trailer:



lunes, 2 de diciembre de 2013

CINE INDEPENDIENTE - HISTORIAS DE FAMILIA (The Savages, 2007) de Tamara Jenkins






LOS HERMANOS SEAN UNIDOS...

     

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BUENA


  
Lo último que hubieran deseado hacer los hermanos Savage es volver atrás, a su difícil historia familiar. Después de haberse liberado del dominio de su padre, ahora se encuentran firmemente anclados a unas vidas propias bastante complicadas. Wendy es una autora de teatro que se esfuerza por salir adelante, una desocupada que pasa sus días solicitando becas, robando suministros de oficina y quedando con su vecino casado. Jon es un neurótico profesor de facultad que escribe libros sobre oscuros temas. Pero entonces llega la llamada que le informa de que el padre al que siempre ha temido y evitado, Lenny Savage, se consume lentamente. 

Ahora, mientras dejan de lado sus ajetreadas vidas, Wendy y Jon se ven obligados a vivir juntos bajo el mismo techo por primera vez desde su infancia, redescubriendo las excentricidades que les sacaban de quicio. Enfrentados con una agitación total y luchando por la manera en que deben hacerse cargo de los últimos días de su padre, se encuentran confrontados con el significado de la vida adulta, la familia y, lo más sorprendente, lo que significan el uno para el otro.
  
“La Familia Savage” es una historia bien catalogada como comedia dramática. En su núcleo es un drama corriente, crudo y posible; permitièndose ciertos momentos de breve alegría, distensión y nostalgia. Miradas ácidas sobre el sexo y las relaciones de pareja, pero por sobre todo un certero (aunque modesto) estudio sobre las disfunciones familiares, las relaciones de padres e hijos y el inevitable enfrentamiento con la muerte. Mas allá de que la historia no sea en si agradable, estamos hablando de falta de comunicación entre dos hermanos con su padre y de la degradación humana, física y mental, de este. Lo valorable reside en lo autentico de un  retrato real y austero. 

La historia, como ya dicho, tiene sus puntos sensibles y sus otros mas light pero su punto mas fuerte es la construcción de personajes que como buen cine independiente no abundará en diálogos, pero si en gestos y miradas que lo dicen todo. Y son dos de ellos quienes de por si valen la vista de este film: Laura Linney y Philip Seymour Hoffman son las dos caras opuestas de una misma moneda. Dos hermanos enfrentados y ahora reunidos en la tragedia y el dolor, cara a cara reencontrándose. Linney es una gran actriz de rol, responsable de brillantes papeles desde su consagratorio rol en “Cuenta Conmigo”. Hoffman, por su parte, se cansò de recibir roles de reparto sin demasiada trascendencia hasta que con su protagónico de “Capote” le demostró al mundo cinematográfico que es un excelente actor. 

Pese a tal gris panorama donde el deterioro irremediable de la vejez se muestra visible, el cine independiente norteamericano siempre encuentra una veta de esperanza para insertar su cuota de lucidez y desparpajo en este tipo de producciones. Triste, reflexiva y sin tapujos la hora de mostrar la agonía de un ser humano en el final de sus días, sufriendo por la confrontación y las deudas pendientes de ambos hijos para con el y entre ellos. 

El final dejarà mas de una enseñanza y su mensaje es esperanzador. Tamara Jenkins, su directora, no concibe una joya del cine independiente, pero si un film valido para recordar. De esas pequeñas grandes historias que se nutre el cine indie y que refresca el anquilosado melodrama del cine mas comercial.


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jueves, 14 de noviembre de 2013

CINE INDEPENDIENTE - LEONES POR CORDEROS (Lion For Lambs, 2007) de Robert Redford




  

LEÓN SUELTO, CORDERO ATADO
 


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MUY BUENA




Un político intentando tejer una de las últimas “estrategias exhaustivas” alrededor de una periodista de una agencia de noticias; un catedrático idealista intentando convencer a uno de sus alumnos más prometedores de la necesidad de cambiar el curso de su vida; y dos hombres jóvenes, cuya necesidad de vivir una vida con cierto sentido les llevó a enrolarse en el ejercito americano y en la guerra de Afganistán. Como la reciente “El Sospechoso” o la no tan lejana “Syriana”, en “Leones por Corderos” nos encontramos con un film que habla de la política internacional de Estados Unidos.
 Partiendo de un planteo estructural distinto, un enfoque y una apreciación del problema muy particular sobre la guerra en Irak y el gobierno de George Bush, el film da paso a un final abierto que quedará librado a la conclusión del publico en una suerte de tendencia revisionista sobre un tema de actualidad que conmueve al mundo y sobre el que no se puede estar ajeno a tomar partido. Por este motivo el film es valioso, al dejar al espectador pensando en las dudas político-estratégicas que va sembrando a medida que deja ver la realidad que plantea. 
 
Narrativamente el film se estructura confrontando los puntos de vista de la reportera (quien cuestiona el gobierno de Bush), el senador (quien enérgicamente sostiene la invasión a Irak) y del profesor (quien desde una mirada filosófica intenta infundir en los jóvenes el deseo de progreso). Si de plasmar una mirada aguda sobre la sociedad americana se trata, Redford ha dado muestras de su capacidad al respecto: desde “Gente como Uno” hasta “Quiz Show”, el realizador de “El Señor de los Caballos” ha mostrado de un tiempo a esta parte notoria sensibilidad para retratar una realidad mundial y atraparte con las distintas vertientes en que desembocan los conflictos.

A pesar de cerrarse a una puesta en escena hiper austera casi siempre ubicada en espacios cerrados y resuelta en planos y contraplanos, la atención que genera la historia no decae en absoluto. Esta decisión estética no se trata de poca creatividad a la hora de la puesta de cámara; el vuelo artístico del film pasa por otro lado y su hondura ideológica y cuestionamientos punzantes lo demuestran. 


La película, solventada en una puesta de escena mas bien teatral (lo que genera una óptica bastante distinta a la hora de contar), cuenta tres situaciones en simultáneo narradas en tiempo real y de resolución rápida. Resultando un metraje mas corto que lo habitual para este tipo de producciones, cuyo progresar esta sostenido en base a buenos climas, filosos diálogos y logradas actuaciones sumado a la gran capacidad de Robert Redford como director para aunar estas historias e intercalarlas en el momento oportuno. 

En este trío de historias que se cuentan el film cuenta con tres pilares en un elenco sin fisuras: Meryl Streep, descolla nuevamente con un papel de reparto de similares características de incidencia al que le vimos en “El Sospechoso” (aunque en las antípodas ideológicas e igual de creíble sin embargo). Por otro lado, tanto a Tom Cruise en la piel de un ambicioso senador como a Redford en la piel de un entusiasta profesor se los ve muy sólidos y acertados.


Una reciente tendencia hollywoodense que cuestiona el intervencionismo y el cinismo de la política exterior norteamericana, así como estado paranoico de la sociedad post 11/09, el film se percibe como un interesante ejercicio de introspección y disección de la moral, la conducta y el patriotismo americano: por un lado esa que lava sus culpas y justifica el fin sean cuales fueran los medios, por otro esa que cuestiona procedimientos poco demócratas y hace un mea culpa respecto a un presente al que se arribo por errores del pasado. 

Finalmente, sale a la luz la mas sensata de todas las miradas, esa sobre una juventud que intenta despertar en las ganas y el compromiso de buscar un futuro mejor en medio del caos que representa la política internacional de su país y una seguridad interna conmovida, vejada e invadida por un fantasma con cada vez mas fuerza al que Estados Unidos alimento durante mucho tiempo.


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viernes, 1 de noviembre de 2013

CINE INDEPENDIENTE - SECRETOS DE UN SECUESTRO (The Clearing, 2004) de Pieter Jan Brugge






LA SOMBRA DE LA VERDAD
 



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BUENA



Wayne y Eileen Hayes parecen estar viviendo el sueño americano. Pero todas las ilusiones saltan por los aires cuando Wayne es secuestrado a plena luz del día en la apacible propiedad que los Hayes poseen en Pittsburgh. Bajo la lupa de una concienzuda investigación llevada a cabo por el FBI y en su propia introspección, Eileen, la mujer de Wayne, se convierte también en víctima. El interrogatorio le hace conocer una vida oculta sepultada debajo de las apariencias extrañas; las sospechas, los secretos, las carencias, y lo que ocurre en el proceso de lograr hacer realidad el sueño americano. 

Su aparente conformismo se verà truncado cuando se encuentre privada del hombre que ama, al tiempo que descubre la cara oculta de un engaño y el desmoronamiento moral, ante los ojos de una sociedad que los ve como modelos. De repente, el hombre que en un momento determinado de su vida se jactaba de ser un astuto negociador descubre que su destino no está a su merced, sino en manos de un secuestrador con todo por perder y muy poco por ganar.

Sobrio thriller de contexto actual, la vuelta de Robert Redford a un rol principal de categoría no podría haber sido de mejor manera. Un tema de continencia actual como resulta el terror de los secuestros, brillantemente combinado en sus aristas dramáticas como de suspenso que pone como contrapunto un hecho criminal que tiene como polo a dos clases sociales opuestas. De esta forma, la trama se centra en un empresario secuestrado que establece un violento duelo con su secuestrador mientras por otro lado su familia intenta convivir con la angustia y liberarlo por todos los medios.

La dirección del nòvel realizador Pieter Jan Brugge es acertada en cuanto al ritmo que sostiene el film a lo largo de su duración, a pesar de concentrarse prácticamente en dos ambientes únicamente, mèrito reconocible en mantener el clima de suspenso en alto nivel a lo largo de todo el desarrollo, a pesar de los contenidos eminentemente dramáticos de la trama. Los elementos policiales están siempre presentes enriqueciendo la historia, asì como rubros técnicos muy bien cuidados que resultan vitales a la hora de generar el àmbito propenso que ofrece el suspenso.

La mencionada historia tiene como centro un secuestro, como móvil un misterio que se devela al final y como exposición argumental dos polos opuestos: uno que enfrenta a la victima con el victimario y el otro que muestra de forma implacable el mundo de una familia destrozada por dichaa pèrdida, acosada por fantasmas del engaño y buscando, de forma desesperada desentrañar la verdad enmascarada. Como si de capas de superficie se tratara, dicha visiòn parece tamizada segùn el prisma de realidad desde donde se la observe. Con este propòsito, las vetas dramáticas que propone el guión son claras y no pretenden caer en conformismos, aunque si alecciona en cuanto a una realidad incontrastable y a una conducta que muchas veces no tiene una explicación lògica o un  justificativo moral.

En el elenco nos encontramos con un correcto -si bien contenido- Robert Redford, un personaje de principios y consagrado en su propio sueño americano. Por otro lado tenemos a su antagonista, Willem Dafoe, quien reniega de su miserable vida, pero se niega  a poder cambiarla y acaba siendo preso de sus propias frustraciones, limitaciones y temores. Por ultimo, Helen Mirren agrega a su nutrida carrera un personaje de matices interesantes, una mujer cuya existencia parece estar resulta. 



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jueves, 19 de septiembre de 2013

CINE INDEPENDIENTE - EL CAMINO A GUANTÀNAMO (The Road to Guantànamo, 2006) de Michael Winterbottom






EL CORAZÒN DE LAS TINIEBLAS



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BUENA




Cineasta difícil de catalogar Michael Winterbottom, es imposible sintetizar su filmografía circunscribiéndola a los limites temáticos que rigen los géneros. Estamos hablando de un realizador versátil, provocador e inquieto de incurrir en personajes con un alto grado de tormento interior y en busca de un sentido existencial. Su amplia filmografía puede adentrarse en los excesos del mundo del rock en la Inglaterra de los ’70  (“La Fiesta Interminable”), en la adaptación de una novela melodramática y polémica (“Jude”), de filmar una historia futurista (“Código 46”) o de comprometerse con realidades sociales como en “Bienvenidos a Sarajevo”, labor que parece continuar con su mas reciente producción premiada en la ultima edición del Festival de Berlín, “El Camino a Guantánamo”.

"Camino a Guantánamo" es la historia de cuatro amigos británicos que en septiembre de 2001 viajaron desde Tipton, en las Midlands inglesas, para asistir a una boda y para unas vacaciones en Pakistán. Tardaron dos años y medio en volver a casa. Su viaje los llevó desde Tipton hasta Karachi, Kandahar, Kabul y Konduz, donde fueron capturados por la Alianza del Norte (formada por distintas facciones de grupos armados unidos por el objetivo de derrocar al régimen talibán) y luego pasaron a manos de los estadounidenses, que los condujeron a Kandahar. 

Desde allí, tres de ellos (Shafiq, de 23 años; Asif y Ruhel, ambos de 19 años) fueron trasladados a la base norteamericana de Guantánamo, en Cuba, donde permanecieron más de dos años prisioneros, sometidos a incontables humillaciones y torturas. El 5 de marzo de 2004 fueron trasladados al Reino Unido. En Londres, tras ser interrogados, fueron puestos en libertad sin cargos.

El film resulta una ambiciosa puesta de ficción-documental intensa  y realista sobre las torturas que el gobierno estadounidense practica sobre los sospechosos de terrorismo en condición de detención indefinida y al margen de los derechos civiles que la nación impone, dado la incertidumbre imperante en el mundo de hoy que se debate entre guerras y ataques terroristas, el film acaba siendo una experiencia schokeante. Con un estado democrático neutralizado y abolidos un marco racial y étnico de tolerancia, en nombre de la seguridad ante un probable ataque los gendarmes ejercen un ilegítimo y desmedido uso del poder. El inglés Michael Winterbottom consigue mostrar un mosaico de realidad mediante un cuadro de situación crudo y directo de un caso real de secuestro, privación de la libertad y tortura basado en el caso real de cuatro ciudadanos ingleses de origen musulmán que emprenden un viaje con motivos familiares.

Cierta confusión se adueña de la trama cuando sin explicación alguna estos jóvenes son puestos en el ojo de la tormenta del conflicto, factor extraño si se considera lo irritable del tejido socio político de aquellas geografías en ese entonces y, quizás, desconociendo los eventos que posteriores a lo sucedido el 11 de Septiembre de 2001 desembocaría en la ocupación bélica del territorio afgano pueda llegar a entenderse tal determinación argumental. Despejadas aquellas dudas y lejos de ser una road movie aventura, el film se adentra en el terror de estos prisioneros que sometidos a exigencias físicas y psicológicas mas allá del limite de lo tolerable. 

Con una estructura narrativa fruto de un relato posmoderno, el film se adentra de forma  documental en las declaraciones ante cámara de los protagonistas de la nombrada travesía devenida en tragedia,  y matizado con imágenes de archivo de noticieros, y la reconstrucción ficción mediante de su calvario se recrean escenas bélicas de gran realismo e impacto, rodadas con cámara en mano para recrudecer el fantasma de la guerra. Guantànamo, finalmente, es una pintura tristemente realista acerca de los campos de detenciones y el autentico descenso a los infiernos que es este viaje tan perturbador como interminable.


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martes, 27 de agosto de 2013

CINE INDEPENDIENTE - LA BÙSQUEDA (Don't Come Knocking, 2005) de Wim Wenders






  
   MÁS DE UN REENCUENTRO PARA UNA MISMA HISTORIA



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BUENA




Howard Spence, antiguo ídolo, amado por muchas mujeres, ha tenido una vida plena de relaciones agitadas y escándalos. Con más de cincuenta años ya cumplidos, su vida transcurre entre la bebida, las mujeres y el hastío de sí mismo. En la puerta de su casa rodante ha colgado un letrero que dice: "No vengan llamando", que también podría interpretarse como la llamada de socorro de un ser solitario que al final desea ayuda y comprensión. De repente se da cuenta de su vacío interior y emprende una búsqueda de sus raíces y seres queridos.

En el tono de una road movie existencialista que caracterizò a la mencionada "Paris, Texas" o a la reciente "Flores Rotas", "La Búsqueda" se deja ver como un drama entre psicológico y familiar, de tonos reflexivos, con un aire melancólico, de climas pausados y nostálgicos que exploran la búsqueda de la identidad centrado en su personaje principal. A medida que el film avanza en términos narrativos, su protagonista se cuestiona su vida, su profesión y su futuro. Allì emprende un reencuentro con sus valores a medida que busca recomponer la relación con su madre a quien no ve hace décadas, con sus hijos a quienes no viò nunca y con un amor de juventud con el que no logro cerrar una historia. 

Es interesante la manera en que Wenders reflexiona sobre estas cuestiones, dejando una marca de autor visible y disfrutable en su manejo de tiempos, que sin ser una obra maestra consigue sacarlo de la mediocridad que arrastraba desde "Dead Man". A Wenders se lo ve inspirado para expresar por medio de la puesta en escena el lenguaje cinematográfico y el simbolismo que caracteriza a su filmografía. Si bien el impecable guión estuvo en las manos de Shepard, este rechazò el papel principal que fue a parar a Harry Dean Stanton, pero esta vez Shepard además de escribir para Wenders se queda con el protagonismo.

El elenco cuenta con figuras reconocibles que le dan al film, sin dudas, un sostén mas que fuerte. Sam Sherpard compone uno de los personajes mas interesantes de este ùltimo tramo de su carrera, en esta estrella de western devenido en un ser sin rumbo perseguido por su pasado. Jessica Lange compone con entereza, emoción y sensibilidad a su personaje, mientras que es màs que grato ver a la eterna y admirable Eve Marie Saint que hace exquisito cada plano en el que interviene. Tim Roth le aporta excentricidad y algo de patetismo al hombre de ley que compone, mientras que la joven y ascendente Sarah Polley es otra de las caras conocidas de la heterogeneidad de personajes que dan vida a tan singular historia.

Mas allá de la premisa narrativa del film, sobre reencuentros familiares varios, sobre el reencuentro con la identidad perdida, esta historia marca el reencuentro entre el director Wim Wenders y el actor-guionista Sam Shepard. La dupla se habían reunido hace 20 años para la realización de "Paris, Texas", a estas alturas un neoclásico y film de culto para los seguidores de Wenders. Para ambos talentos, el reencuentro les depara quizás no un renacer en sus carreras, pero si un momento interesante que los saque de la reciente monotonía o del olvido de las grandes luces.


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miércoles, 31 de julio de 2013

CINE INDEPENDIENTE - SECRETOS ÌNTIMOS (Little Children, 2006) de Todd Field





LAS APARIENCIAS QUE ENGAÑAN


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MUY BUENA



Historia de un grupo de personas cuyas vidas se entrecruzan de forma sorprendente y posiblemente peligrosa en parques, piscinas y calles de su pequeña comunidad. Una madre aburrida se hace amigo de Brad, un padre que se queda en su casa mientras la mujer de éste está fuera trabajando. Por otro lado un amigo de Brad, Larry, comienza a inquietarse por la presencia de un pedófilo recién salido de la cárcel.

“Secretos Íntimos” es un film de corte independiente cuya compleja y sórdida trama se centra en tres personajes principales abordando sus frustraciones que a su vez se prolongan en los personajes secundarios que intervienen en el film, mostrando el tormento y la insatisfacción interior de ellos y en cuyos vínculos que establecen por necesidades incumplidas aparece la figura de un niño como disparador dramático o el comportamiento adulto como tal de capricho, obstinación e incomprensión que remite al titulo original. 

Son entonces los niños, como factor conflictivo desencadenante o la actitud infantil y arrojada de los protagonistas, las que entrelazan estas historias donde el deseo puede mas que la razón en algunos casos y en otros, como en la impactante secuencia de desenlace, la culpa y el perdón termina redimiendo a mas de un personaje secundario trazado de forma lineal con rasgos estereotipados durante el relato. Allì, en el seno del relato deambulan el policía facista, la madre protectora y el marido perverso, quizás el único punto previsible de este intenso drama familiar.

Así la trama desnuda las inseguridades, deseos y valores corrompidos de una ama de casa de clase alta infeliz en su matrimonio y que encuentra una segunda oportunidad con una relación prohibida (una suerte de Madame Bovary moderna), un pedòfilo dejado en libertad que amenaza la aparente tranquilidad de una comunidad burguesa que le mira con malos ojos y que esta pendiente de cada movimiento y juzga sin piedad detrás de su màscara de apariencia, y por ùltimo, un hombre insatisfecho sentimentalmente, nulo profesionalmente y perdido en las frustraciones de sus sueños de juventud. 

De climas asfixiantes, una pintura de la sociedad de clase alta y sus hipócritas miradas hacia el mundo exterior, de tonos cercanos a “Belleza Americana”, el prometedor director Todd Field repite su buena labor de “En el Dormitorio”, otro drama familiar densamente cargado.

Mas allá de cierta disparidad a la hora de encauzar ciertas subtramas secundarias, es indudable el talento de Field para sacar lo mejor de un guión rico en ambigüedades, provocativo desde lo moral e impecable en el trabajo actoral de sus cuatro interpretes principales. Kate Winslet en su rol de adultera y desdichada demuesta una vez más su enorme versatilidad como actriz para afearse y convertirse en un ser sin rumbo y descontento con su vida. 

Patrick Wilson como una joven promesa actoral insatisfecho laboralmente, culpògeno por su aventura adultera y en un rol de padre conflictuado y sin resolver. Jennifer Connelly como una fría y distante mujer de negocios que deja a su marido el cuidado de sus hijos y que parece tener en control el orden de su familia hasta que una cena familiar descubre el engaño y gracias a un manejo de cámaras y de tiempo impecable le vasta una sola mirada, un solo gesto, a la gran intèrprete de “Una Mente Brillante” para ver desmoronar su mundo. 

Por ultimo, vale una mención a la gran y sorprendente labor de Jackie Earl Haley en el papel de un pervertido sexual sin limites ni resentimiento alguno por sus actos cuyo tormento interior es tan grande como la catarsis autodestructiva que, de forma impactante y con un juego de montaje de escenas perfecto, es el desencadenante final de un drama que pese a sus excesos sorprende a cada minuto.


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lunes, 22 de julio de 2013

CINE INDEPENDIENTE - IRREVERSIBLE (IЯЯƎVƎЯSIBLƎ , 2002) de Gaspar Noé







RECUERDOS QUE NUNCA SE OLVIDAN



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BUENA



Porque el tiempo lo destruye todo. Porque algunos actos son irreparables. Porque el hombre es un animal. Porque el mundo está contaminado. Porque el deseo de venganza es un impulso natural. Porque la mayoría de los crímenes quedan sin castigo. Porque la pérdida del amado destruye como un rayo. Porque el amor es el origen de la vida. Porque toda la historia se escribe con esperma y sangre.  Porque las premoniciones no modifican el curso de los acontecimientos. Porque el tiempo lo revela todo. Lo mejor y lo peor.


Irreversible, del realizador argentino radicado en Francia Gaspar Noé, encuentra originalidad y polémica en altas dosis, dado que la destacan dos aspectos: está contada de manera inversa, es decir, comienza con el final hasta llegar al principio de la historia. De una belleza cruel e hipnótica, resulta ser una propuesta inusual por tan violenta, obscena,  explícita, perturbadora y chocante.


La trama del film, de la misma forma que la recordada  "Memento", cuenta la película en tiempo invertido desde atrás para adelante a fin de mostrar la historia de una mujer brutalmente golpeada y violada y de la venganza que emprende su esposo en busca de los culpables. Este método tan particular no hace más que resaltar y darle otro tono al film, una historia de violencia cuya base y sustentacion puede resultar confusa y difusa para el espectador desprevenido. 


En extremo y elevado grado de violencia,  el film sobrevive gracias a la credibilidad y el realismo del relato.   La inusual forma en la que se cuenta la trama acaba por ser lo más llamativo de todo el filme. Noe, de manera muy experimental, utiliza para la direccion una interesante -aunque por momentos algo incómoda- propuesta de filmacion abundante en planos secuencia de un minimalismo y un despojo casi dogmáticos, poniendo su acento en el gran despliege actoral de sus intérpretes. 


Polémico y osado film, Irreversible narra la violación de una mujer (Mónica Bellucci) y la posterior venganza por parte de su novio (Vincent Cassell). A partir de este episodio, -explícita, violenta y dura secuencia de 9 minutos de duración que originó el escándalo- la narración se relata temporalmente desde el final hasta el comienzo, acompañado con otras tantas escenas  de alto contenido erótico. 


No apta para corazones sensibles, Noé no busca eufemismos ni circunstancias que alivien el álgido matiz violento que propone. El autor franco-argentino es como un Kubrick sadista en la era del porno documental, con una estética underground que, para algunos detractores, oculta una mirada reaccionaria, obscena, pretenciosa y repulsiva que valida la violencia gratuita que propele.


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viernes, 12 de julio de 2013

CINE INDEPENDIENTE - HARD CANDY (ìdem, 2005) de David Slade





BOCADO AMARGO
     

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BUENA



David Slade, un director debutante proveniente del terreno del video clip aunque con bases sólidas, no es un improvisado como la mayoría que se ve hoy en día haciendo dicha transición. El novel director maneja con sobriedad la cámara y su acierto a la hora de colocar la misma en el lugar y momento indicado brindan a la historia un clima atrapante e intenso con un increscendo de suspenso que hace al film interesante. “Hard Candy” triunfò en varios festivales de cine independiente internacionales hasta llegar a Cannes, quizás el suceso que le abrió las puertas al gran circuito comercial.

Hayley es una adolescente lista y encantadora, pero hasta las chicas listas cometen errores. Se encuentra en un café con Jeff, un joven al que ha conocido a través de Internet. Y aunque Jeff es un fotógrafo atractivo y moderno de treinta y pocos años, Hayley no debería sugerirle que vayan los dos a casa de Jeff solos. Hayley está convencida de que Jeff no tardará en confesarle que no es ella la primera adolescente a quien ha llevado a su casa y, además, está segura de que su prisionero sabe lo que le ocurrió a Donna Mauer, otra adolescente que desapareció del café favorito de Jeff. Y si no está dispuesto a confesar, Hayley pondrá en marcha su siguiente plan.

Como en “Juego Siniestro” (remake de la original “Pacto Macabro”) donde Michael Caine y Jude Law rivalizaban dentro de una gran mansión durante el film completo, aquí el film reside en el duelo actoral que emprenden Patrick Wilson (una cara cada vez mas conocido gracias a “Secretos Íntimos” o ”Angels in América”) y Ellen Page (revelación por la reciente “Juno”) recluidos en una finca alejada del ruido urbano donde se desatarà la tragedia entre este presunto pedòfilo y la pseudo adolescente. Permanentemente en pantalla, en ellos reside gran parte del éxito del film, una trama narrada y apoyada en el desarrollo dramático de sus personajes que gracias al talento de ambos sobrelleva la incongruente extrema madurez de esa niña contrapuesta a la seducción de un solitario seductor de menores.

”Hard Candy” es un estilo de cine independiente norteamericano, distinto a la concepción que el cine comercial tiene del gènero suspenso, atándolo a reglas de estudio que lo limitan y lo hacen resultar monótono. El film es una opción distinta cuyo final, realista pero demasiado frío, no esta de todas formas a la altura de las expectativas planteadas, excesivas en un comienzo. Es cierto, el film toca un tema delicado, tabú y aberrante como la pedofilia hasta llegar a límites escalofriantes, escenificando una castración humana con notable capacidad, recursos técnicos y actorales para resultar lo más logrado del film a nivel emocional. 

Tal intento de abordar una temática compleja es de por sì audaz y valorable y, sin dudas, deja abierta la discusión y la polémica que plantea en esta disyuntiva que deja a entender del espectador su postura y condena sobre y hacia los abusos infantiles. Los peligrosos limites de lo real y lo virtual y la justificada o no justicia por mano propia subyacen como temàticas de interès social, provocativas y no ajenas a la polèmica.


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martes, 23 de abril de 2013

CINE INDEPENDIENTE - RETRATO DE UNA PASIÒN (Fur, 2006) de Steven Sheinberg




DEBAJO DE MI PIEL

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BUENA
 
 
El film es una historia que gira en torno a la figura enigmática de Diane Arbus, una de las artistas más singulares de las décadas del ´50 y ´60 en Estados Unidos. En vida, fue una fotógrafa cuyo trabajo se centró en retratar a los marginales de la sociedad norteamericana, en muchos de sus trabajos aparecen fotografías dedicadas a niños con deformidades, gigantes, enanos, travestis, personas extravagantes, con ese toque de excentricismo y escalofrió que sabia darle a sus trabajos. 

Vale decir también, que esta biopic de ficción se basa imaginariamente en la vida y obra se Arbus para retratarla, pero no se centra en su trabajo y muchos eventos son recreados a fines dramáticos, es decir, la trama parte de una vertiene fantasiosa. La película esta dirigida por Steven Shainberg, realizador de “La Secretaria”, es un film para nada convencional cuya trama alcanza de forma pausada y por momentos insatisfactoria en su evolución. 

A veces poco estética y a veces intensamente erótica a la hora de mostrar cuerpos desnudos, la trama se encuentra sostenida en las espaldas de sus dos excelentes intérpretes, para concretar un film correcto que no llega a fascinar. La misma toca aristas que remiten al estilo del director quien apenas con dos films en su haber ya forja un lenguaje propio y una delicadeza notable para utilizar planos que sugieran ambigüedad sobre el enigma de estos personajes o bien apoyándose en la fotografía y cuidados rubros técnicos para insertar intriga y melodrama al film en torno al destino incierto de sus personajes, aun en cuotas insuficientes. 

Al igual que la ópera prima del director, “Retrato de una Pasión” es una historia de amor relacionada con los fetichismos e inclusive la sumisión femenina, pero que fue encarada desde otro ángulo respecto al film mencionado, donde el sadomasoquismo y la autosatisfacción giraban en torno a una faceta perturbadora y eminentemente sexual de sus personajes. Aquí el vinculo se crea y se desarrolla como una suerte de moderna y extraña visión de la Bella y la Bestia. 

A la vez que el enigmático personaje que interpreta el gran Robert Downey Jr. recién deja ver su rostro y su cuerpo al final del relato, mientras que el personaje de Nicole Kidman es una suerte de Madame Bovary contemporánea, una ama de casa que se revela contra los cánones de la vida en familia y rompe con la fidelidad matrimonial,  que se libera de todas sus ataduras y tabúes de la sociedad y se permite sentir, no menos entre desesperación y desasosiego, pese a ese tormento interior que refleja con naturalidad y oficio la interprete australiana y que remite a su gran trabajo en “Las Horas”, cuando personificò a Virginia Woolf.

Sin embargo, aunque esta película está basada en Diane Arbus, no es una biografía histórica. Arbus, que vivió de 1923 a 1971, es para muchos una de las artistas más importantes del siglo XX y a la vez un personaje de culto. "Retrato de una Pasión" es el homenaje a una brillante artista que cuestionó las ideas convencionales sobre la belleza y la fealdad y cambió para siempre la fotografía a través de su técnica y de sus temas radicales.

  
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jueves, 18 de abril de 2013

CINE INDEPENDIENTE - LA BALADA DE JACK Y ROSE (The Ballad of Jack and Rose, 2005)



 
CANTO A LA INOCENCIA PERDIDA


* * * *
MUY BUENA

  
Hace un tiempo conocimos de Rebecca Miller su film "Intimidades", una propuesta de tres episodios de corte independiente donde se podía ver un talento incipiente que retrataba sin concesiones un drama potente. Tres años después podemos ver una evolución de aquel talento que se insinuaba. Es el primer proyecto (largamente postergado por los últimos ocho años) que une profesionalmente a la nieta del celebre Arthur Miller con su esposo Daniel Day-Lewis. El intèrprete britànico es uno de los actores mas valorados de su generación, pero que desde hace poco menos de una década decidió espaciar (para lamento de quienes apreciamos su enorme carisma actoral) cada vez mas sus apariciones delante de pantalla.

Jack y su hija de dieciséis años, Rose, viven en una comuna abandonada en una isla. Desde la desintegración de la comuna, Jack ha protegido a su hija de las influencias del mundo exterior, pero ahora, una grave enfermedad de éste y el despertar sexual de Rose plantean cuestiones sobre el futuro. Cuando Jack invita a su novia Kathleen y a sus dos hijos a vivir con ellos, Rose se siente traicionada y la situación rápidamente se vuelve precaria. Rose actúa de forma irresponsable creando el caos. Mientras todo se sale de control, Jack se encuentra atrapado y se ve forzado a tomar medidas.
 
Al ver la película nos encontramos ante todo con una trama provocativa, que se atreve a jugar con el incesto, con pactos de sangre, con conductas perturbadoras, pero que dramáticamente cuenta con suficientes elementos como para constituir un modelo artístico de cine independiente moderno que sin tabúes para contar una historia no se pone limites y deja fluir ese descontento hecho ira o esa falta de compasión que el espectador pueda sentir por sus protagonistas. La pèrdida de la inocencia es el tema en cuestión: los sueños  de libertad que se perdieron con el tiempo, vistos con una mirada singular y polémica. 

Polémica que le huye a la corrección, incluso en un final cuestionable en cuanto a la ideología implementada, pero artísticamente inobjetable y la vez coherente con ese universo tan intimo que dos personas construyeron durante gran parte de su vida: a fin de cuentes el sueño no era tal, o era un error pensar que lo era. Para dejar el pasado atrás definitivamente había que dar un gran paso y en las escenas finales del desenlace el tiempo perdido se convierte en enseñanza y redenciòn. Ese momento fílmico vale oro, y bellamente captado es la metáfora poética perfecta para un final poco habitual en el remanido cine de estos días, despojado de todo tipo de convencionalismos. La autora se arriesga a mostrar de manera cruda y sin concesiones una particular relación entre padre e hija y detrás de esa pequeña historia hay una gran película que subyace. 

Para construir este mundo, Miller se apoya en experiencias personales que tendrán su acompañamiento ideal en la música de Bob Dylan y Nina Simone entre otras reconocidas voces de los rebeldes años '70 a los que honra el film. Gran parte de la buena suerte del film reside en su actor principal. Mas allá de un sólido elenco de reparto -Catherine Keener, Beau Bridges, Jena Malone- el hecho de que Daniel Day-Lewis sea el actor indicado para el rol protagonista parece evidenciarse a cada minuto de su meticulosa composición. 

El relato no depende demasiado ni se centra por completo en Day-Lewis -quien perdió varios kilos para el papel, un autentico reto actoral- pero su sobresaliente actuación es un sostén dramático fundamental para que el film produzca impacto. Su expresión y su lenguaje corporal desnudan a un hombre fuera de tiempo y de alcance emocional tan determinado como inútil en su obsesión por mantener a su hija y a si mismo en el mundo que ideò.

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