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jueves, 2 de octubre de 2014

FOTOGRAMAS - EL ARTE Y LA GUERRA EN OPERACIÓN MONUMENTO (Monuments Men, 2014) de George Clooney








CUANTO VALE TU CULTURA? El guionista de Operación Monumento y socio de Clooney, Grant Heslov recuerda que vieron junto a Clooney unas cuantas películas de guerra, clásicas y recientes. “Pero los clásicos –dice– los vimos más que nada para tratar de decidir menos qué hacer o en qué inspirarnos, que para ver qué es lo que no teníamos que hacer. Hay algunas películas que nos fascinaban de jóvenes que hoy no se sostienen tan bien, en particular en las actuaciones. Hoy hay otro tono, yo diría que más real. Las que mejor han resistido el paso del tiempo son probablemente Un puente demasiado lejos y El gran escape. De esta última hay una relación entre James Garner y Donald Pleasence que nos gustó mucho, queríamos tratar de darle algo de eso a la relación entre nuestros personajes. Hay cierta camaradería entre ellos que creo que es lo que hace la guerra: te pone en una situación hiperrealista que te lleva a adoptar esa actitud de confiar en quienes tenés a tu lado. También vimos films más nuevos, como La lista de Schindler y Rescatando al soldado Ryan, pero creo que esos son films muy serios, sobre el horror de la guerra, y el nuestro no es tan serio ni tan trágico: nuestra película no puede dejar de reconocer los horrores de la guerra, pero para nosotros el conflicto es el trasfondo, el contexto en que se desarrolla nuestra historia, que es un espectáculo de entretenimiento para el gran público.”

Pero entre las películas que Heslov no menciona hay un referente esencial que Clooney sí mentó al pasar: El tren, una obra maestra de 1964 que anticipa todo el cine de acción de los ’80 –de Duro de matar para acá–, dirigida por John Frankenheimer, en la que Burt Lancaster interpreta a un inspector ferroviario francés que se une a los esfuerzos de la Resistencia para intentar detener los trenes en los que la Wehrmacht se lleva las obras de arte robadas durante la guerra. La película está basada en el libro Le front de l’art, de Rosa Valland (en quien se inspira el personaje de Blanchett en Monuments Men), y en ella Lancaster proclamaba: “No voy a sacrificar vidas humanas por pinturas”. De manera similar, una pregunta se formula machaconamente en Operación Monumento: ¿una obra de arte vale una vida? Sin embargo, el propio personaje de Stokes (Clooney) es quien convence a Roosevelt de que hay que llevar a cabo la misión bajo la convicción de que “estas obras son la misma base de la civilización que estamos defendiendo”: “¿Quién se asegurará de que el David siga de pie y la Mona Lisa sonriendo? Si todo es destruido, será como si las culturas que lo produjeron nunca hubieran existido”. 

“Creo que para mí la respuesta a esta pregunta sin respuesta se volvió clara mientras escribíamos la película”, dice Heslov. “No creo que una sola pieza de arte valga una vida. Si tuviera que elegir, siempre elegiría proteger la vida humana. Pero si tomás el arte como un todo, como una idea, la idea de que Hitler estaba tratando de hacer desaparecer una cultura entera, y que va a estar aquí muchos años después de que nosotros hayamos desaparecido, entonces sí, creo que se vuelve algo por lo que vale la pena luchar, y hasta morir.”


Fuente: Suplemento Radar, Página/12 - Domingo, 2 de marzo de 2014. Por Mariano Kairuz



viernes, 7 de marzo de 2014

FOTOGRAMAS - MUESTRA FOTOGRÀFICA "QUEREMOS TANTO A WOODY" de Hugo Echarri







PEQUEÑO WOODY ILUSTRADO




 El artista Hugo Echarri inaugura el próximo 6 de febrero en el Centro Cultural Borges “Queremos tanto a Woody”, una exposición en la que aborda de forma tan original como audaz la vida y obra del comediante, escritor y director estadounidense. La muestra -con curaduría de Diana Saiegh y Virginia Fabri- está integrada por una instalación y 25 pinturas de gran tamaño, que tienen a Woody Allen como protagonista y en muchos casos en diálogo con personajes como el poeta César Vallejos o el Gauchito Gil. “Las obras son simplemente un tributo y un reconocimiento, a un artista lucido del tiempo y la sociedad que me toca vivir”, adelantó el artista sobre la exposición que se podrá visitar hasta el 6 de marzo en el Borges, ubicado en Viamonte esquina San Martín. Echarri, que estudió con maestros como Helios Gagliardi, Bernardo Di Bruno y René Pietrantonio, se reivindica como un autodidacta seguidor de la obra de Castagnino, Policastro, Raúl y Carlos Alonso, Guillermo Roux y Miguel Dávila. Su obra fue exhibida en muestras individuales y colectivas.




El Centro Cultural Borges, ubicado en Viamonte y San Martín, inauguró durante el mes de Febrero la muestra "Queremos tanto a Woody", un homenaje al cineasta programado desde hace meses. A cargo del artista Hugo Echarri y curada por Diana Saiegh y Virginia Fabri, la muestra es un tributo al director norteamericano mediante pinturas, diapositivas y varias proyecciones de cortos compuestos de fotogramas de películas de Allen. 







Mientras su última película, Blue Jasmine , cuenta con tres nominaciones a los premios Oscar y Hollywood lo colma de homenajes, el Centro Cultural Borges inaugurará mañana una muestra artística en tributo al cineasta norteamericano titulada "Queremos tanto a Woody".




"La muestra es un tributo al artista y a su obra. Ellas van a perdurar cuando ya no esté". Una particularidad de la muestra es que combina armoniosamente pinturas, videos y música: está integrada por 25 piezas de gran tamaño, diapositivas, dibujos en movimiento y varias proyecciones de cortos compuestos de fotogramas de películas y retratos de Allen, dispuestos por las paredes y el piso de la sala. Todo eso, acompañado por una música compuesta especialmente para la muestra por el propio Echarri. Las obras plásticas resaltan la visión del artista argentino sobre Allen y están caracterizadas por su fuerza y el uso de colores brillantes. 






Algunas capturan escenas y personajes de sus películas más célebres y otras retratan momentos en la vida del director y escritor: su amor por la música, su infancia, las influencias de Sigmund Freud y Groucho Marx y su relación con Mia Farrow, en una pieza novedosa, en la que Echarri retrata a la pareja de espaldas, invirtiendo una vieja foto sacada en el set de la película Maridos y esposas en la que se los ve discutiendo. Está pintada sobre una superficie de acrílico transparente y dispuesta de tal forma que se puede apreciar de ambas caras. "Es una novedad en cuanto al soporte y es una forma de demostrar el conflicto entre ambos, de demostrar que algo ahí ya no iba más", cuenta Echarri.

Otra característica es el uso artístico de distintos videos. Tan llenos de dinamismo y colores como las pinturas, están compuestos por imágenes de películas, pinturas de Echarri y retratos de Allen que se superponen y explican la interpretación del artista sobre la vida del director. "Como el homenaje es a la obra de Woody y ésta es fundamentalmente cinematográfica, me pareció muy interesante incorporar una especie de cuadros en movimiento", explica Echarri acerca de cómo nació la idea de hacer esta muestra en distintos formatos.




 


En uno de ellos, que está acompañado por una música nostálgica que parece transportar la mente a alguna escena de sus películas -y que también está compuesta por Echarri-, el artista le rinde un homenaje emotivo al creador de Annie Hall : "Se trata de un Woody Allen ya entrado en años, mirando para atrás y haciendo un repaso sobre su vida", describe Echarri.




 
El artista, que se confiesa fanático del estilo cinematográfico de Allen, destaca su habilidad de retratar situaciones difíciles que caracterizan al hombre de hoy: "El cine de Woody ha sido siempre un cine de autor, como a mí me gusta, como el de Fellini, Bergman o Kurosawa -dice-. Siempre toca temas serios y profundos, pero los aborda con un costado cómico e irónico que los hace más llevaderos. Es un personaje muy rico en el sentido de su obra, además de ser un gran escritor."
Marcada por su creatividad y rica en matices y polémicas, la vida y obra de Woody Allen, como su interpretación en esta muestra de Hugo Echarri, podrán gustar o no, pero no pasarán inadvertidas..





Link de fuente:   http://www.revistaenie.clarin.com/arte/Hugo-Echarri-Woody-Allen_0_1078692598.html



sábado, 15 de septiembre de 2012

FOTOGRAMAS - 8 y 1/2 (Otto e Mezzo, 1963) de Federico Fellini


Photobucket 

Instantáneas: Federico Fellini y Marcelo Mastroianni comparten el set de rodaje de "8 y 1/2". La crisis creativa de un artista, el problema de confrontarse con las expectativas del medio y también la crisis existencial de un hombre que se aferra a sus sueños para soportar el peso propio de su vida, son las referencias autobiográficas del genial autor italiano. La película suponía el número "ocho y medio" en su filmografía: ya había rodado anteriormente siete películas, y su media, considerando como tal al episodio que dirigiiera en la obra colectiva "Boccaccio '70" (1970).

FOTOGRAMAS - DIOS Y EL DIABLO EN LA TIERRA DEL SOL (Deus e o Diabo na Terra do Sol, 1964) de Glauber Rocha


 

Instantáneas: El brasileño Glauber Rocha consiguió desarrollar en su cine la ambición cinemanovista en películas que resultaban experiencias explosivas y coloridas, pero a la vez difíciles de asimilar por el grán público. Su éstetica es un paradigma del cine visto como expresión cultural, personal, política y religiosa, enmarcado en una teoría apasionante e indivisible. Rocha construye ante nosotros una representación de sus más arraigados ideales sobre su historia, folklore y cultura en una festiva y violenta alucinación.


FOTOGRAMAS - QUE VIVA MÉXICO! (Да здравствует Мексика, 1930-1932) de Sergei Eisenstein


 



Instantáneas: "Que Viva México!" fue un proyecto fílmico inconcluso de Sergéi Eisenstein en su excursión a tierras aztecas. La producción estuvo marcada por dificultades, tragedias personales y finalmente condenada al abandono al plan más ambicioso del realizador soviético: el autor llega a México en diciembre de 1930 con la idea de llevar a cabo una monumental construcción alegóricas al México prehispánico. El material original nunca fue montado, si bien los storyboards del propio Eisenstein fueron rescatados en 1979.

FOTOGRAMAS - UN PERRO ANDALUZ (Le Chien Andalou, 1929) de Luis Buñuel





Instantáneas: Una de las imágenes mas violentas de la historia del cine. Un Perro Andaluz es el emblemático cortometraje mudo escrito, producido, dirigido e interpretado por Luis Buñuel en 1929, con la colaboración en el guion de Salvador Dalí. Considerada la película más significativa del cine surrealista, transgrediendo los esquemas narrativos canónicos, remite constantemente al delirio y al sueño, tanto en las imágenes producidas como el uso de un tiempo no lineal de las secuencias. La película pretende provocar un impacto moral en el espectador a través de la agresividad de la imagen en esta antológica escena.

domingo, 2 de septiembre de 2012

FOTOGRAMAS - LOS 400 GOLPES (Les 400 Coups, 1959) de Francois Truffaut

 


Instantáneas: Triste cuento infantil en tono autobiográfico que sirvió como propuesta temática al impulso definitivo del movimiento denominado Nouvelle Vague. Esta imágen captura su rebelde espíritu artístico, lenguaje propio que identificaría a la monumental obra de Truffaut.

FOTOGRAMAS - EL JUEZ DE LA HORCA (The Life and Times of Judge Roy Bean, 1972) de John Huston

 


 Instantáneas: Un joven Paul Newman y un veterano John Huston coinciden en un alto del rodaje de "El Juez de la Horca", western revisionista del post-clasicismo americano.

FOTOGRAMAS - HARRY, EL SUCIO (Dirty Harry, 1971) de Don Siegel

 


Instantáneas: Clint Eastwood encarna al rudo Harry Callahan, un ícono policial de todos los tiempos. La popular saga tendría cuatro secuelas: "Magnum Force" (1974), "The Enforcer" (1977), "Sudden Impact" (1983) y "The Dead Pool" (1988) 

FOTOGRAMAS - LA DOLCE VITA (ídem, 1960) de Federico Fellini




Instantáneas: La escultural Anita Ekberg inmortalizada en la Fontana di Trevi para la obra cumbre del inigualable Federico Fellini.

FOTOGRAMAS - TIEMPOS VIOLENTOS (Pulp Fiction, 1994) de Quentin Tarantino


 Instantáneas: Monocromo de John Travolta y Samuel L. Jackson en "Tiempos Violentos". Film de culto de Tarantino y un ícono de los años '90.

martes, 28 de agosto de 2012

FOTOGRAMAS - FUEGO CONTRA FUEGO (Heat, 1995) de Michael Mann



Instantàneas: Al Pacino y Robert De Niro inmoratlizan esta antològica escena en "Fuego Contra Fuego"; 1995. A pesar de haber interpretado los protagònicos de El Padrino II (1974), es la primera vez que compartìan pantalla estas dos leyendas de su generaciòn.

FOTOGRAMAS - BATMAN: EL COMIENZO (Batman Begins, 2005) de Christopher Nolan


Instantàneas: Michael Caine, Morgan Freeman y Liam Neeson celebrando el rodaje de "Batman Begins", 2005. Los intèrpretes colaborarìan posteriormente en las secuelas The Dark night (2008) y The Dark Night Rises (2012).



FOTOGRAMAS - HOMBRE EN LLAMAS (Man on Fire, 2002) de Tony Scott


Instantàneas: Tony Scott y Denzel Washington durante el rodaje de "Hombre en Llamas", 2002. Fue una de las cinco colaboraciones entre el actor y el director.

FOTOGRAMAS - LA DECISIÒN DE SOPHIE (Sophie's Choice, 1982) de Alan J. Pakula


Instantàneas: Meryl Streep en una escena de "La Decisiòn de Sophie", 1982. La actriz obtuvo su segundo premio Oscar.

FOTOGRAMAS - MUJER BONITA (Pretty Woman, 1990) de Garry Marshall





Instantàneas: Julia Roberts en una escena de "Mujer Bonita", 1990. El film coronò a la actriz como la reina de la comedia romàntica de la dècada.

lunes, 21 de mayo de 2012

FOTOGRAMAS - Jack Valenti (Paseo de la Fama de Hollywood, 2000)


 

Instantàneas: El gran lobbista. Jack Valenti fue el hombre que presidió la todopoderosa Asociación de Productores de Cine Norteamericano (MPAA), nada menos que el organismo cinematográfico mas importante del mundo, durante casi cuatro décadas. Valenti lideró entre 1966 y 2004 la MPAA, poderoso grupo que representa y defiende los intereses de los grandes estudios de la meca del cine. También creó el actual sistema estadounidense de calificación de películas, fórmula que sustituyó a la controvertida comisión de censura conocida como Código Hays, valedero desde los turbulentos años ‘30. 

Valenti concluyó con el Código Hays, calificado de represivo y que prohibía la violencia explícita y el tratamiento abierto del sexo, religión, violencia y crímenes en los filmes, código considerado como censurador y prohibitivo. Desde 1966, encabezó la MPAA implantando el “movie rating” sistema que permite clasificar las películas en cinco categorías (G, PG, PG-13, NC-17, R) y que sustituyó al represivo Código Hays que desde 1922 prohibió en el cine americano la violencia explícita y el tratamiento franco del sexo. 

Singular personaje admirado por unos y odiado por otros, aplicó la llamada “política del garrote” defendiendo sin concesiones a hegemonía de las cintas estadounidenses por sobre las demás, e interviniendo para desarticular cualquier intento de promover y proteger una industria propia y ajena a las “majors” hollywoodenses. Defendió para el cine de su país un libre mercado donde, según él, se pelea en igualdad de condiciones. 

Valenti igualmente generó conflictos dentro del propio sistema que defendía. Su accionar provocó la protesta de cineastas como Coppola, Bertolucci y Jarmusch quienes veían afectada la integridad y libertad artística un sistema anticuado que calificaba como pornográfico cualquier contenido de índole adulta.

Figura repetida en la ceremonia de entrega de los Premios Oscar, donde año a año contaba con el privilegio de entregar algún que otro premio, los argentinos recordaremos el que entregò para el galardón al Mejor Film Internacional en 1984, que fuera la nacional “La Historia Oficial”.

Valenti se convirtiò con el correr de los años en el hombre más poderoso de la industria y la estrella que en buena ley se ganò gracias a su trayectoria, lo recuerda en el tradicional Walk of Fame de Hollywood. 


La importancia de su legado radica en el papel vital que jugò Valenti en resguardar los intereses del sistema de películas de Hollywood y su rol fundamental en la creación de la protección de los derechos de autor y las leyes contra la piratería, tan devaluadas por estos tiempos, y sin embargo a través de las cuales Hollywood controlò todas las pantallas cinematográficas del mundo.